FIONA MOMPEAN

Conversamos con Fiona Mompean en esta leve
(pero interesantísima) introducción
a la Inteligencia Artificial

Life in Selecta Magazine entrevista a Fiona Mompean artista y experta en
Inteligencia Artificial. Charlamos con ella sobre las posibilidades creativas
de esta herramienta de creación y sus (posibles) controversias éticas. Todas
las imágenes que aparecen en este reportaje están creadas por Inteligencia
Artificial menos este retrato suyo (o no?)

FOTOGRAFÍA FIONA MOMPEAN: PASTOR HEREDIA STUDIO

Fiona Mompean es una artista y diseñadora que reside en Barcelona. Desde hace unos meses se dedica a crear y diseñar personajes y mundos oníricos con una de las nuevas herramientas creativas más controvertidas de estos alocados años 20. Desde Life in Selecta Magazine creemos muy oportuno entrevistar a una artista experta en Inteligencia Artificial y aclarar y tranquilizar a los lectores sobre la ¿amenaza? de esta herramienta creativa que abarca absolutamente todas las disciplinas artísticas, y que intuimos, está tan sólo en sus primeros meses de gestación.

Disfruten de esta maravillosa entrevista y esperamos que tras leer esta entrevista, piensen en las posibilidades de la Inteligencia Artificial y sepan utilizarla de la manera más artística y responsable posible.

RECUERDEN, A PARTIR DE AQUÍ, TODAS ESTAS IMÁGINES  ESTÁN GENERADAS POR FIONA MOMPEAN CON INTELIGENCIA ARTIFICIAL.
Diego Torres.
Life in Selecta Magazine.

Para nuestro Número 16 hemos diseñado tres portadas, tras la primera dedicada a @gentefantastica_artclub esta segunda portada está protagonizada por una obra de FIONA MOMPEAN @fionamompe

Diego Torres: Fotógrafos, escritores, actores, famosos… ¿Están estas personas y profesiones en peligro por el auge de la inteligencia artificial?

Fiona Mompean: No, los artistas no están en peligro, lo que cambiará es la forma en la que crean. Recientemente, Boris Eldagsen hizo público que ganó un premio de fotografía global de Sony con una imagen generada por IA. Sony emitió una declaración diciendo: «Ya no sentimos que podamos participar en un diálogo significativo y constructivo con él». La entrega de Eldagsen de una imagen generada por IA, fue deliberada, con la intención de provocar este debate. Según dijo a The Guardian: «Mi enfoque en la fotografía fue psicológico y filosófico. Era un viaje interior; no representaba lo que todos ven frente a ellos. Teniendo ese trasfondo, la IA me fascinó. Fue construida a partir del inconsciente colectivo. También vi que la forma en que funciona se puede relacionar con la teoría de las ideas de Platón [también conocida como la teoría de las formas]». Tal vez sea útil considerar la imagen y cómo se creó, o tal vez no. Démosle una oportunidad.” Estoy de acuerdo con él, un artista logra comunicar ideas, transmitir sensaciones y emociones a los espectadores a través de su creación artística. No es un objeto, un sonido o una representación lo que hace una obra de arte, sino lo que se emite a través de un concepto, pensamiento único y sentimiento lo que hace que un objeto, una acción o sonido se transforme en una obra de arte.

La IA es capaz de crear lo que uno siente o imagina hasta el punto de tener la capacidad de potenciar los conceptos que el usuario había concebido originalmente. Y lo logra de dos formas, con la técnica y el tiempo. Las limitaciones vienen por la capacidad creativa y no por la capacidad técnica. Por otra parte, el tiempo de realización ahora va a favor de la creatividad, la IA puede crear una imagen en 1 minuto y, en el caso de la voz, con solo 3 segundos de una grabación de una voz existente, se puede recrear un discurso ilimitado mediante la imitación. Las ideas pueden itinerar hasta conseguir el máximo exponencial de las mismas, con poca técnica y menos tiempo. En 4 meses hemos pasado de V3 a V4 en ChatGPT y en Midjourney de V4 a V5, en ambos casos el cambio es exponencial, La IA permite vagar y explorar nuevas ideas y conceptos más rápido que nunca, por lo que las ideas pueden llegar mucho más lejos (conceptualmente) de lo que ha sido posible antes. De hecho, podemos verlo como el mismo proceso que utilizan los grandes artistas, como Takashi Murakami o Jeffrey Lynn Koons. Ellos conceptualizan sus obras de arte pero no son quienes las crean físicamente, sino un equipo de artesanos que producen la obra. Entonces, es la forma en la que un artista crea lo que está en peligro, no el artista. Dicho esto, esta respuesta puede ser válida hoy, en este momento, ahora.

Pero si analizamos lo que Jeff Dean expuso sobre la IA: «Aunque hay docenas de ejemplos de habilidades emergentes, actualmente hay pocas explicaciones convincentes de por qué surgen dichas habilidades». O como lo expresaron Tristan Harris y Aza Raskin (Cofundadores de Center for Humane Technology”) con la siguiente parábola: «Dale un pez a un hombre y lo alimentarás por un día. Enséñale a pescar y lo alimentarás para toda la vida».

En IA sería: Enseña a la IA a pescar, y se enseñará a sí misma biología, química, oceanografía, teoría evolutiva… y pescará todos los peces
hasta su extinción.”

A esta velocidad, ¿en un futuro hipotético o cercano, la IA podría convertirse en el artista? ¿Entonces la IA sería el agente que crearía el arte? En ese caso, ¿Qué será arte? En este escenario hipotético, diría que la respuesta a la pregunta es que el peligro radica en la capacidad que nosotros, como seres humanos tengamos, para adelantarnos a la IA.

Fuentes:
“The Guardian ‘AI isn’t a threat’ – Boris Eldagsen, whose fake photo duped
the Sony judges, hits back
The A.I. Dilemma – March 9, 2023 by Tristan Harris and Aza Raskin
Google Blog: Characterizing Emergent Phenomena in Large Language Models
– Jeff Dean, (SVP Google AI).

Diego Torres: Estamos en 2023, en las primeras décadas del Siglo XXI, con el inicio de la IA ¿estamos ante los primeros riesgos del uso desenfrenado de la tecnología?

Fiona Mompean: Sí y mucho, pero no necesariamente es algo malo. Con la ayuda de la Inteligencia Artificial, es posible aprender a jugar al ping pong, obtener el código de programación para crear animaciones, saber cómo cuidar las plantas de tu jardín de manera específica y más efectiva, obtener un modelo de negocio para una nueva empresa o producto que se quiera lanzar, y mucho más. Todo esto en un solo día, aunque la veracidad de las respuestas que ofrezca la Inteligencia Artificial dependerá de la habilidad que tenga uno para interactuar con el software.

Lo que antes requería dedicación y dinero, hoy en día se puede hacer simplemente haciendo las preguntas adecuadas a un software de IA como por ejemplo ChatGPT.

De hecho, la IA ofrece la posibilidad de reinventarse y adoptar una nueva profesión con habilidades que antes tardaban años en adquirirse. Por ejemplo, un diseñador 3D puede convertirse en programador en cuestión de meses gracias a la capacidad de la IA para enseñar y crear código.
La IA puede automatizar tareas que no queremos hacer o simplificar el proceso de creación y aprendizaje a una velocidad que nunca antes se había visto. Sin embargo, hay cosas que la IA nunca podrá reemplazar, como la experiencia física y emocional de la vida.

Diego Torres: ¿Crees que es necesaria una Regulación ética sobre el uso de la IA?

Fiona Mompean: Desde Luego. Sin ir más lejos, recientemente, ha habido una creciente controversia sobre la necesidad de regular éticamente el uso de los filtros de TikTok. Por un filtro en concreto, «Bold Glamour», que puede distorsionar la cara del usuario de manera que crea una imagen completamente irreal. Esto puede tener efectos negativos en la autoestima y el cuerpo de los usuarios, especialmente de las niñas con baja autoestima.

En el pasado, se ha visto este tipo de efectos negativos con las modelos que presentaban una imagen poco saludable, lo que llevó a la industria de la moda a implementar regulaciones. Sin embargo, en la actualidad, los filtros de TikTok no están regulados y ni siquiera son inteligencia artificial, sino realidad aumentada.

Recientemente, Snapchat ha incorporado un chatbot llamado «MyAI», que está disponible para todos los usuarios. La idea detrás de «MyAI» es que sea un «amigo digital» que pueda responder a cualquier pregunta en cualquier momento. Sin embargo, se ha generado controversia cuando un redactor del Washington Post probó la herramienta y publicó una conversación en la que «MyAI» le dio consejos sobre cómo enmascarar el olor a alcohol y marihuana para una fiesta de cumpleaños “épica” haciéndose pasar por un chico de 15 años.

En otra conversación creada por el «Center for Humane Technology», «MyAI» incluso ofreció consejos sobre tener relaciones sexuales por primera vez con una pareja de 31 años cuando «Center for Humane Technology» se hacía pasar por una menor de 13 años. Aunque Snapchat ha dicho que la aplicación tendrá más cuidado al dar consejos apropiados para cada edad, el problema sigue siendo que no hay regulaciones ni leyes que protejan a las personas de los efectos negativos de la IA. Las empresas están lanzando herramientas de este tipo para capitalizar en la tecnología de IA sin haber realizado la regulación apropiada ni el testeo necesario.

Fuente:
https://www.washingtonpost.com/technology/2023/03/14/snapchat-myai/

Diego Torres: Los Derechos de autor por parte de los protagonistas y por parte del creador. Necesidades y obligaciones.

Fiona Mompean: Desde hace tiempo se ha venido debatiendo acerca de los derechos de autor en el mundo digital, pero con la llegada de la Inteligencia Artificial este debate ha tomado un nuevo rumbo. ¿Qué sucede cuando los creadores de algoritmos utilizan los datos de millones de artistas y creaciones en servicio de la IA? Este acto plantea nuevas necesidades y obligaciones en cuanto a la transparencia por parte de los creadores de algoritmos, y nos obliga a replantear la manera en que entendemos los derechos de autor y la autoría en la era de la IA.

Aunque resulta incierto cómo evolucionará esta situación, lo que es seguro es que urge una regulación ética que proteja a los protagonistas de las obras ¿Cómo se pueden garantizar los derechos de autor en un mundo cada vez más automatizado y digitalizado? ¿Quién tiene la propiedad intelectual en un proceso de creación en el que interviene la IA? Estas son algunas de las preguntas que se deben abordar para asegurar que la IA no anule los derechos de los creadores y protagonistas, y para evitar que la falta de regulaciones y leyes apropiadas permita que la IA se apropie de las obras y creaciones de otros en beneficio de las empresas que crean las plataformas de IA.

Diego Torres: ¿Cuáles crees que deberían ser los Límites de la IA en el futuro? Italia acaba de prohibir el uso de cierta IA.

Fiona Mompean: No creo en la censura, pero sí creo en la necesidad de una regulación ética que proteja los derechos humanos en todos los ámbitos, incluyendo aquellos en los que la IA está presente: robótica, medicina, arte, código o la comunicación, entre otros. Cada vez son más las empresas que capitalizan en esta tecnología y se crean nuevas plataformas que ofrecen distintos servicios basados en IA. No podemos predecir dónde estará la IA en los próximos cuatro meses ni qué nuevos servicios, oportunidades y amenazas nos presentará en un futuro cercano. Es por ello que es fundamental establecer regulaciones éticas que aseguren que la IA se utilice de forma responsable y no se violen los derechos o condicionen el pensamiento humano.

Diego Torres: ¿Cómo definirías tus creaciones?

Fiona Mompean: Creo imágenes a través de los recuerdos. La tecnología de la IA me permite revivir momentos concretos del pasado o del presente, y recrearlos desde una perspectiva subjetiva que no siempre es real. En ocasiones, estos momentos concretos son aquellos que nunca fueron capturados, o son historias que me han sido transmitidas por personas que quiero y que, gracias a la IA, puedo recrear y darles vida en imágenes. No es algo que haga de manera deliberada, sino que surge en un momento determinado cuando recuerdo a alguien o una situación concreta. Como por ejemplo mi abuela, que ya es muy mayor y aún tiene mucha vida para contar, cuando pienso en ella y en su juventud me vienen muchos recuerdos y es entonces cuando plasmo esas vivencias pero en el presente. Como por ejemplo, la imagen que cree sobre el Rocío, está dedicada a ella y todas las vivencias en la romería del rocío que ella me ha transmitido.

Me encanta crear yuxtaposiciones entre el pasado y el futuro y la IA me permite hacerlo de una manera muy personal y que además son capaces de transmitir con exactitud las sensaciones que me provocan los recuerdos. La IA es un nuevo medio que me ha permitido explorar imágenes que solo están en nuestros recuerdos. Y eso me parece mágico.

FIONA MOMPEAN
www.8384.studio
Instagram: @fiomompe

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life in SEVILLA
CASA PALACIO DON RAMÓN
5* Gran Lujo

Entrevistamos a MARISA DE AZCÁRATE y nos descubre su nuevo Hotel Casa Palacio Don Ramón.

Entrevistamos a Marisa de Azcárate, fundadora y propietaria de Kaizen Hoteles, en un recorrido exclusivo y privado por las estancias de su última creación hotelera: Casa Palacio Don Ramón, un elegantísimo y lujoso hotel de 5 Estrellas Gran Lujo en pleno centro de Sevilla.

Diego Torres: Muchas gracias Marisa por atendernos en su maravilloso hotel. Me gustaría comenzar por sus inicios en el sector hotelero. ¿Cuándo y por qué decidió dedicarse plenamente a su nueva faceta como empresaria hotelera?

Marisa de Azcárate: Gracias a vosotros por vuestro interés. Con 55 años y tras vender mis participaciones en la empresa familiar, a la que dediqué veinte años de mi vida, decido tomarme unos meses de descanso, para no hacer nada… pero ya a los siete meses de aburrida rutina sin grandes motivaciones más allá de ir al gimnasio o pensar en recibir clases de pintura, decido cambiar mi vida por completo. Mi marido vivía en Jerez de la Frontera y de Madrid me voy a vivir a mi querido Jerez. Y en mi búsqueda de casa veo el edificio del Casino Jerezano que como casa era muy grande pero decido comprarlo. Era el momento perfecto para dedicarme a una de mis grandes pasiones. Ten en cuenta que soy una gran anfitriona, me encanta recibir a los amigos, hacer fiestas, cenas, reuniones… y es en ese momento cuando decido profesionalizar esa forma de ser. Compro el Casino Jerezano para convertirlo en un hotel, pero no en un hotel cualquiera, en un hotel muy especial, que sea una joya. Y así nace el Hotel María Luisa 5* G.L. en Jerez.

Diego Torres: ¿Siempre ha tenido muy claro qué tipo de hotel quería?

Marisa de Azcárate: Mi modelo de negocio lo tengo muy claro. Mi plan de negocios era realizar un hotel de alta gama, un hotel gran lujo, el equivalente al nivel de una joya de Cartier o de un Rolls Royce, ese producto de lujo pero en hotel. Es decir, un modelo de negocio de excelencia, de gran lujo. Pero que debo rentabilizarlo porque ante todo soy empresaria…

Diego Torres: Pero su primer hotel está en El Rocío, La Malvasía.

Marisa de Azcárate: Sí, antes de inaugurar María Luisa 5* G.L. inauguramos el Hotel La Malvasía en El Rocío. Mi marido y yo somos muy rocieros vamos todos los años y desde hace ya 26 años pero siempre nos quedábamos en hoteles de la zona. Pero llegó el momento en que decidimos comprar una casa. Encontramos La Malvasía, que ya era hotel. La parte antigua del hotel apenas la modifiqué, tan sólo añadí comodidad y tecnología. La decoración la respeté, actualicé la tapicería eso si. Y hace unos meses inauguré otro hotel La Malvasía, justo al lado del primero.

Diego Torres: Sabemos que para usted, la localización es un componente crucial a la hora de decantarse por un edificio y convertirlo en hotel. ¿Cómo descubrió el edificio de su nuevo Hotel Casa Palacio Don Ramón 5* G.L. en Sevilla?

Marisa de Azcárate: La verdad es que el edifico del Hotel Casa Palacio Don Ramón me lo ofrecieron. Yo no buscaba abrir un hotel en Sevilla pero fue una oportunidad muy buena. Cuando lo vi, me enamoré. Busco la oportunidad y este edificio lo fue.

Diego Torres: Estará conmigo que Sevilla atraviesa un gran momento a nivel turístico y empresarial con la apertura de hoteles y
posicionando a Sevilla como destino de lujo.

Marisa de Azcárate: Sevilla es una ciudad extraordinaria. Y toda Andalucía. Es mi ciudad favorita del mundo. Me encanta la historia y
sentir su arquitectura, su pasado. Sevilla, es una ciudad única.

Diego Torres: ¿El Hotel Don Ramón 5* G.L. va a ser un hotel abierto para todos los sevillanos?

Marisa de Azcárate: Por supuesto. Un hecho que sólo sucede en Andalucía, es la pasión que existe por las tradiciones. La vida te entra en casa, la Feria de Abril la ves en la calle, en las casas, la Semana Santa y su incienso recorre toda Sevilla. Y Sevilla es una ciudad en la que cualquier época del año se vive con muchísima intensidad, la primavera sobre todo, Ves en cada momento el pulso de la ciudad y sus tradiciones. Sevilla es de todo el mundo. Por supuesto que nuestro hotel estará abierto a todos los sevillanos y a todos esos momentos y tradiciones.

“Sevilla es mi ciudad favorita del mundo.”

Diego Torres: Usted ha viajado muchísimo, ¿qué lugares y países admira?

María de Azcárate: He viajado mucho si, sobre todo por temas de trabajo, a la China profunda, a la India… Asía y me apasionan todos los países de culturas muy antiguas. Sencillamente porque me encanta la historia. Me apasiona África y su naturaleza, es una sensación especial visitar África. En África he sentido lo mismo que se siente en alta mar: la libertad absoluta. Y Estados unidos, esa brutalidad como país, un país donde su filosofía es poder llegar a lo que te propongas trabajando y con mucho esfuerzo y dedicación. Ojalá esa filosofía llegara más a Europa.

Diego Torres: En nuestra revista tenemos una sección que se denomina El Hotel es el destino.

María de Azcárate: Exacto. Cuando una persona viaja, también recuerda el hotel. En mi memoria se ha quedado el Hotel Crater Lodge Ngorongoro en Kenia, La Villa des Orangers en Marrakech… hoteles cuya filosofía estoy intentando reproducir. Admiro todos esos hoteles que visitas a lo largo de una vida y permanece en tu memoria. No sólo se te queda en la memoria la ciudad y sus rincones sino que recuerdas el hotel donde te has alojado. Y ese hotel es parte de tu recuerdo, de tu álbum de fotos y parte de ese deseo de volver a esa ciudad.

Diego Torres: Ese concepto de que un huésped debe sentir el hotel como si estuviese en su casa.

María de Azcárate: Esa frase la tengo prohibida entre nuestro equipo! En mis hoteles yo no quiero que te sientas como en casa, quiero que te sientas completamente diferente, te tienes que sentir aquí un rey, un príncipe, un marajá. Nuestros huéspedes deben sentir que eres la única persona en el mundo, que tengan toda la atención posible. Cuando estás viajando quieres ver, conocer, sentir, oler… y esa experiencia en este hotel te la amplia, aquí en mis hoteles también vas a querer ver, admirar sentir, oler… el propio hotel.

“Admiro todos esos hoteles que visitas a lo largo de una vida y permanecen en tu memoria”

Diego Torres: Ahora ya podemos entender cuál es su filosofía de cómo debe ser un hotel dentro de su marca Kaizen.

María de Azcárate: Es que viajar es muy importante. Pero volvamos al concepto más empresarial de la gestión de un hotel. Toda mi filosofía la resumo en crear cuatro fases de investigación y creación:
Primero, la localización. Fundamental la ubicación del hotel en una ciudad, debe estar en el centro.
Segundo, que el edificio sea interesante. Su patrimonio histórico es crucial, debe ser un edificio con historia, con un pasado interesante.
Tercero, muy importante realizar el trabajo de restauración, tecnología, sostenibilidad y medio ambiente. Nuestros hoteles tienen suelo radiante en el patio, sistema anti humedades, aislantes térmicos y acústicos en paredes, suelos y techos, ventanas cliimalit anti ruido y también importante la no perdida de energía. Inviertes más pero luego es mucho más sostenible. Para mí, la tecnología es paz.
Y por último, añadir el detalle y la calidad en la decoración y el interiorismo y crear una personalidad. Y por supuesto… terminar con un servicio impecable.

Diego Torres: Una vez que ya hemos hablado de la importancia de la ubicación, me gustaría que nos comentara la labor de restauración que realiza en sus hoteles.

Marisa de Azcárate: Ante todo, me gustaría mencionar a Pedro Rodríguez de Pineda, él ha sido el arquitecto de toda la obra y el alma de todo. No se hubiera podido hacer esta obra sin él. Y a la decoradora Alejandra Pombo que ya fue la decoradora de La Malvasía en El Rocío y la ampliación recientemente con un segundo edificio con piscina. Mi filosofía principal en una restauración es que el hotel sea la esencia del lugar donde está ubicado. Si el edificio está en Sevilla, que la decoración sea de la Sevilla contemporánea, del siglo XXI. Para un cliente del siglo XXI. Por ejemplo: los azulejos sevillanos que hemos diseñado en el patio, son azulejos sevillanos pero no son antiguos, hemos realizado una edición contemporánea del azulejo sevillano actual. Todo es una edición contemporánea de Sevilla porque Sevilla ha evolucionado, afortunadamente no seguimos en el siglo XVI. Sevilla es lujosa y cómoda, tiene una esencia que no tiene ninguna otra ciudad del mundo.

“ Para mi, la tecnología es paz, por eso la tecnología es tan importante en mis hoteles.”

Diego Torres: Cuéntenos la historia que hay tras este edificio y que en cierta manera tiene alguna coincidencia con usted.

Marisa de Azcárate: Mira que casualidad. En el patio hay unos azulejos de San Isidro labrador, este edificio siempre ha pertenecido a agricultores, a la Confederación de Agricultores y lo último: las 3 asociaciones de agricultores que son ASAJA, COAG y UPA, la Unión de pequeños agricultores y ganaderos. Además, San Isidro labrador es el patrono de Madrid y yo soy de Madrid y casualmente el año que aparece en los azulejos con el Santo es el año de mi nacimiento: 1961.

Diego Torres: Otro de los puntos fuertes de sus hoteles son la decoración y el interiorismo.

Marisa de Azcárate: Me encanta esa mezcla de lo clásico, de lo original, restaurado con lo moderno Es una combinación difícil de recrear pero cuando te sale es maravilloso. Yo soy muy ecléctica en la decoración, me gusta todo y soy muy liberal, extremadamente liberal. Y me apasiona la artesanía. Me gustaría mencionar a José Ignacio Soto, artesano carpintero de Jerez. Hay muchísima artesanía en el hotel pero toda la carpintería y ebanistería es de él.

“Soy muy ecléctica, a mi me gusta todo y soy muy liberal, extremadamente liberal.”

Diego Torres: Mucho se habla actualmente de los Hoteles Boutique. Para usted sus hoteles deben ser extremadamente lujosos, ¿ dónde radica para usted la denominación de 5 Estrellas Gran Lujo?

Marisa de Azcárate: El Hotel Casa Palacio Don Ramón 5* G.L. no es un hotel boutique al uso. Yo creo que denominan hotel boutique a hoteles pequeños con todo muy cuidado y muchos detalles monos y una atención buena, pero ese servicio también existe en hoteles de dos estrellas, tres estrellas… pero luego está el 5 Estrellas Gran Lujo, eso es realmente calidad.

Por ejemplo, los muebles aquí son excepcionales, miramos mucho su comodidad, las telas y terciopelos buenísimos, la calidad de los materiales es muy importante. Todo eso para mi es Gran Lujo, por encima de un cinco estrellas.

En conclusión, para mí, la gran diferencia entre un Hotel Boutique y un Gran Lujo es la tecnología y la calidad.

Diego Torres: ¿Cuántas habitaciones tiene Casa Palacio Don Ramón 5* G.L.?

Marisa de Azcárate: Nuestros hoteles nunca van a tener más de 40 habitaciones porque tiene que haber exclusividad. No puede haber 200 personas en las zonas comunes, desayunando o descansando en nuestros patios. Debe de haber exclusividad. Ésta primera fase tiene 27 habitaciones y en una segunda fase en otro edificio que ya hemos comprado en la calle Tarifa, vamos a tener en total 40 habitaciones.

Diego Torres:¿Cuándo decidió dotar de personalidad cada una de las habitaciones?

Marisa de Azcárate: Me presentaron diferentes proyectos de decoración pero yo tenía muy claro lo que deseaba. Las habitaciones tienen una línea argumental muy específica y acorde con Sevilla: hay muchos tipos de habitaciones, tenemos la decorada con detalles y estilo árabe, mozárabes, de Sevilla, del Nuevo Mundo… ninguna es igual. Quería mostrar las tres culturas de Sevilla. Una de las habitaciones más elegantes es la de Nuevo Mundo con sus techos artesanados como los palacios de los gobernadores antiguos de Latinoamérica, con cartas náuticas en la decoración, cortinas de terciopelo, telas y una escultura de Fernando Calderón completan este estilo tan sevillano y español.

Diego Torres: Háblenos de los detalles que podemos encontrar en las habitaciones y suites.

Marisa de Azcárate: Me encanta seleccionar y poner los detalles en cada rincón del hotel. Como el vacía bolsillos, los papeles italianos y japoneses de Maria Escudero. Por cierto, muy recomendable su libro que acaba de escribir un libro junto a Carla Royo Villanova sobre protocolo. El libro se llama Recibir en casa y saber vestir en cada ocasión.

También es muy importante nuestra Carta de amenities: la estándar es de Molton Brown (moltonbrown.es) pero también tenemos amenities de Nuxe París, Portus Cale de Portugal, de Álvarez Gómez y colonia de Aire de Sevilla, en la web los puedes elegir previamente. También tenemos carta de sábanas, de algodón egipcio de 400 hilos, también de hilo y para los novios, seda. Todo el mobiliario está hecho a medida, desde las puertas a las mesas, mini bares, los escritores, las cortinas de lino, el cierre encerado para mover las cortinas…los detalles son Gran Lujo.

Diego Torres: Quizá la joya de la corona del hotel Casa Palacio Don Ramón sea la Suite Sevilla.

Marisa de Azcárate: Suite Sevilla tiene dos habitaciones abuhardilladas y dos baños. Y lo que le hace especialmente único es su terraza privada junto a la piscina. Suite Sevilla, está ambientada con colores azules, al río Guadalquivir y donde los azulejos tienen especial protagonismo. Además de los lujosos dormitorio ofrece una sala de estar, donde disfrutar del espacio y tranquilidad de una suite excepcional.

Diego Torres: Otra de sus grandes pasiones es el arte y su coleccionismo. Casa Palacio Don Ramón 5* G.L. está repleto de obras de artistas y artesanos sevillanos y andaluces.

Marisa de Azcárate: Efectivamente. En este hotel hay obras de Rocío Terry y Ana Feu, MUNDI, Chema Rodríguez, todos sevillanos. Y suelo aportar antigüedades mías que compro en mis viajes. Por ejemplo ese abanico que lo compré en China, en un viaje en la China profunda hecho a mano.

Nuestro patio interior tiene un jardín vertical de Fernando Calderón. Y una escultura de seis metros de hierro de Javier Caraballo y también tengo una palmera de Fernando Oriol (instagram @fernandooriol). Me encanta Fernando Oriol, en el hotel de Jerez tengo un caballo de él, una obra única en su catálogo ya que Oriol sólo hace esculturas vegetales,. Las fotografías son de Miguel Ángel Castaño (www.albatrosfoto.com) que también ha hecho las fotografías para nuestra web.

Restaurante
El limón:
un excelente espacio gastronómico
para un lugar excepcional

Casa Palacio Don Ramón 5*GL presenta una cuidada y exclusiva propuesta gastronómica para que los huéspedes y visitantes de la capital andaluza puedan disfrutar de una experiencia a medida a través de originales propuestas y de los sabores propios de Sevilla en un ambiente excepcional, cuidado y cosmopolita.
Se ha diseñado una carta protagonizada por el producto y las elaboraciones y técnicas locales. protagonismo
Además, el hotel cuenta con servicio de desayuno a la carta.

GRUPO KAIZEN HOTELES

La palabra KAIZEN hace referencia a una filosofía japonesa que significa «mejora continua”. Y esta filosofía es primordial para el grupo hotelero KAIZEN HOTELES cuya propietaria y gestora es Marisa de Azcárate. Dicha mejora se consigue con las acciones diarias, por muy pequeñas que sean, que les llevan a cuidar hasta el más mínimo detalle en sus establecimientos para que sus clientes se sientan totalmente satisfechos. La última incorporación al grupo hotelero KAIZEN HOTELES es Casa Palacio Don Ramón 5*GL y su concepto y personalidad es un fiel reflejo de esta filosofía.

KAIZEN HOTELES es un grupo de gestión hotelera que ofrece servicios de excelencia en destinos turísticos más allá de los circuitos convencionales, fomentando la riqueza del entorno en el que se ubican sus hoteles. KAIZEN HOTELES apoya la recuperación y el mantenimiento de las tradicionales casas andaluzas y de edificios históricos sorprendiendo a sus clientes y superando sus expectativas. Los hoteles KAIZEN son una parte esencial de la experiencia del viaje. www.kaizenhoteles.com

HOTEL CASA PALACIO DON RAMÓN 5* G.L.
Casa Palacio Don Ramón
Calle Trajano, 2
Sevilla
www.hoteldonramon.com

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Investigar nuevas disciplinas, crear y gestionar una residencia para artistas y continuar con su labor en su mágico taller son sus grandes deseos para este 2023.
Hablamos con el artesano e influencer Javier Sánchez Medina para que nos explique el secreto de su éxito.
Entrevista de Diego Torres.

El perfecto savoir-faire artesanal.
La artesanía forma parte de la vida y del espacio que te rodea, posee y adquiere una única personalidad. Es a través de la creación, de la construcción única y de la pieza terminada cuando la artesanía ejecuta su función y relación con el ser humano y con su entorno, convirtiéndose en un objeto diseñado para crear experiencias perdurables. Ese es uno de los secretos de Javier Sánchez Medina, forjar una personalidad autóctona.

La gran novedad es la expansión de su maestría y añadir a su sorprendente y cálido taller un nuevo espacio creador: una residencia de artistas, un lugar para crear comunidad, un sitio de pertenencia sin frontera y aprendizaje entre compañeros artistas. Una especie de escuela renacentista.

En nuestra entrevista podrán conocer el alma y pensamiento de uno de los grandes creadores de la nueva ola inspiradora de creación artesanal. Bienvenidos a su casa, bienvenidos a su taller.

Texto de Diego Torres.

«Soy yo quién revisa una a una cada pieza. Todas las obras están supervisadas por mi. Es una labor muy personal con el cliente, ese trato directo es muy importante para mi.»
Javier Sánchez Medina

ZARA & JAVIER:
arropar la memoria

«Con el tema de la moda yo quería reflejar el tema de las raíces, de dónde soy, de dónde vengo… de esa idea surgieron los patrones de pantalones y chaquetas de mi padre y de mi abuelo. De ahí salió la colección para primavera que le puse el nombre de Raíces»  Javier Sánchez Medina.

Toda la entrevista en nuestro Número 15 de LIFE IN SELECTA

Toda la entrevista en nuestro Número 15 de Life in Selecta.

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LIFE IN SELECTA

NÚMERO 15 DE VENTA

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Ya puedes descargar de manera gratuita la VERSIÓN DIGITAL de nuestro Número 14: Click en la fotografía o en este texto para descubrir todo el contenido de nuestro Número 14 y nuestras propuestas para este verano 2022

Click on the picture or on this text to discover all the contents of our Issue 14 and our suggestions for this summer 2022 .

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Entrevistamos en exclusiva para Sevilla Selecta Magazine a la escritora María Dueñas.

Basado en la exitosa novela de María Dueñas, «El Tiempo entre costuras, el musical»  es una superproducción que visitó nuestra ciudad de la mano de beon.Entertainment, producida por Dario Regattieri y cuya versión ha sido compuesta por Iván Macías y escrita por Félix Amador. El impresionante equipo creativo está formado por un nutrido grupo de profesionales del teatro musical con una importante trayectoria en grandes producciones. La dirección recae en las manos de Federico Barrios  (“West Side Stoy”, “Sonrisas y Lágrimas” o “Cabaret”). La escenografía del espectáculo lleva la firma de Ricardo Sánchez Cuerda, considerado uno de los mejores escenógrafos de Europa y con amplia trayectoria en producciones musicales como “Cabaret”, “Billy Elliot” o “Hoy no me puedo levantar”. Jose Félix Romero es el responsable de  la coreografía y Lorenzo Caprile se ha encargado de diseñar el vestuario de Sira, la protagonista absoluta del musical, mientras que el vestuario del resto del elenco es obra de la sevillana Marietta Calderón.

Sevilla Selecta Magazine entrevista en exclusiva a María Dueñas, la autora de esta apasionante novela que además ha participado como asesora en todo el proceso de creación del musical. Todo un honor para nuestra revista y para nuestra ciudad tener la oportunidad de disfrutar de la conversación y de la obra de esta maravillosa escritora que nos trasladará a las ciudades de Madrid, Estoril, Tánger, Tetuán… en las convulsas décadas de los años 30 y 40.

Diego Torres:  El recorrido del musical comenzó hace unos meses en varias ciudades y tras Madrid, Sevilla fue la siguiente ciudad en ser presentada. Todo un privilegio para nuestra ciudad.

María Dueñas: Muchas gracias. Así es, en una primera etapa «El tiempo entre costuras, el musical» se estrenó en Zaragoza, allí fueron las primeras funciones, después siguió Valencia y después en estas Navidades pasadas Canarias pero se tuvo que suspender por el covid. Luego Madrid, ciudad en la que ha estado más de 3 meses y estamos muy contentos por la aceptación y el éxito en la capital. Y de Madrid ahora a Sevilla.

Diego Torres: «El tiempo entre costuras, el musical» es un apasionante viaje de 2 horas de duración por la vida y sentimientos de Sira. ¿Qué nuevas emociones va a descubrir el fiel lector de la novela El tiempo entre costuras en este musical, en este nuevo reencuentro con los protagonistas de la novela?

María Dueñas: Pues la verdad es que en «El tiempo entre costuras, el musical» el fiel lector de la novela va a encontrar absolutamente toda la novela representada en el musical,  muy concentrada pero con absolutamente todos los detalles y todas las situaciones más esenciales de la novela. El lector y ahora  espectador va a encontrar toda la historia de la novela, toda la peripecia de la novela sin faltar nada, muy lineal y muy fiel al argumento de la novela. Si a esta premisa añadimos que todo el argumento va acompañado por una música maravillosa del compositor Iván Macías que te comento que es de Huelva y  con un elenco fantástico de actores y actrices que trabajan todos los palos posibles, es decir, son actores y son cantantes a la vez, dramatizan, cantan, bailan… son impresionantes. Sira la protagonista interpretada por Laura Enrech está maravillosa, apenas sale  del escenario nada más que para cambiarse de ropa. Son todos unos verdaderos artistazos.

Diego Torres: Su novela El tiempo entre costuras tiene ya casi 13 años de vida pero desde hace muy poquito recorre una nueva vida, tras el escenario literario y la serie de televisión ahora se viste de musical. ¿Cómo ha sido su experiencia al dialogar con un lenguaje, el musical, tan completo y complejo?

María Dueñas: Para mi toda esta aventura ha sido muy agradable, muy agradable y muy cómoda. Todo el equipo y yo hemos sido muy cómplices desde el principio: Iván Macías (compositor) ha compartido conmigo las piezas musicales a medida que las ha ido componiendo,  Félix Amador el autor del texto, del guión, de la letra ,me mandó el texto final para que yo diera mi criterio pero la verdad es que tuve que opinar muy poco porque todo estaba hecho con un rigor, con una pulcritud y un cariño magnífico.

Diego Torres: Cuéntenos ese instante en el que recibió el texto/libreto de la obra musical. Siendo una escritora, ¿tuvo la necesidad por devoción de intervenir en la escritura de la adaptación al musical?

María Dueñas: Fíjate que yo todas estas cosas de guiones y adaptaciones  las reviso muy cuidadosamente y además como la antigua profesora que fui soy muy escrupulosa, soy muy exigente, muy puntillosa, muy rigurosa y voy con rotulador rojo en mano corrigiendo, proponiendo cambios, subrayando lo que creo que no es correcto… y cuando lei el libreto de Félix Amador la verdad es que apenas usé ese rotulador porque estaba todo muy muy bien hecho desde el principio. Recuerdo quizás únicamente algunas pequeñas sugerencias que ellos atendieron encantados. Para mi fue admirable la capacidad de conversión por pasar las 600 páginas de la novela a un libreto mucho más breve. Pero lo hicieron muy bien, con mucho respeto y afecto hacia la historia y de una manera excelente.

Diego Torres:  Un escritor escribe en solitario, la soledad apenas se comparte, ¿Cómo fue trabajar con tantas personas? Rodearse de un equipo tan impresionante de colaboradores debió ser un verdadero lujo. Imagino que estar acompañada de un super equipo de profesionales le daría muchísima confianza.

María Dueñas: Por supuesto, Federico Barrios (Director y Coreógrafo) pone una puesta en escena maravillosa, Lorenzo Caprile y Marietta Calderón están a cargo del vestuario que consigue que Sira esté preciosa en todo momento, todos los detalles, los cambios de peluca, de zapatos, los cambios de tono musical, como el escenario va transformándose para adaptarse a las distintas ciudades y países que se visitan… todo está muy cuidado, hasta el detalle más absoluto y además todo hecho con un cariño extremo que para mi eso es muy importante. He estado rodeada de grandes profesionales y he colaborado con ellos desde la admiración. Reunir un equipo de profesionales mejor es imposible. Y el resultado se puede ver sobre el escenario, es una maravilla visual,

Diego Torres: Como nos comentaba sin duda uno de los verdaderos atractivos del musical es el vestuario, muy elegante y visual. Lorenzo Caprile diseñó los 12 vestidos de Sira. Espectacular es ese vestido verde. Caprile hizo los principales cambios de vestuario de Sira  pero  la  directora de vestuario del resto del elenco es nuestra queridísima amiga sevillana Marietta Calderón. Sus complementos, tocados y vestuario en general son elegantísimos y tengo entendido que la mayoría de ese vestuario es auténtico, de los años 30 y 40.

María Dueñas: Marietta es un cielo. Recuerdo en Zaragoza muy al principio, antes de las primeras funciones,  que me probaba con Marietta todo el vestuario posible, hasta gorras del ejercito nazi auténticas que había conseguido en mercadillos  y tocados o zapatos antiguos, reales de aquella época. Con este detalle que te comento subrayo su trabajo y la manera de demostrar el rigor, el cuidado extremo con el que Marietta lleva a cabo todo su trabajo. Todos los bolsos, los sombreros de las señoras, los tocados, multitud de ropa que llevan los chicos… desde las corbatas, mucho, muchísimo es auténtico de la época, todo tan cuidado. Eso enriquece enormemente toda la función. Realmente es un viaje en el tiempo.

Diego Torres: Háblenos de los actores. Encontrar a la actriz y a todo un elenco de actores y actrices para dar vida a los personajes de El tiempo entre costuras debió ser una elección complicada. El resultado final es un casting magnífico. Todos están sublimes pero en especial la actriz Laura Enrech que entre sus últimos trabajos se encuentran la gira española de “Dirty Dancing”, “La Verbena de la Paloma”, “Anastasia” y la obra de “Antoine” la increíble historia del creador de “El Principito” y que interpreta a nuestra protagonista Sira Quiroga. También me gustaría resaltar el trabajo de María Gago que interpreta a Candelaria. Las dos hacen unas interpretaciones sublimes.

María Dueñas: Siiiii. Laura es una grande del escenario y se come el espectáculo. De verdad que lo que hace sobre el escenario es heroico porque prácticamente no desaparece del escenario. Ella es la protagonista absoluta y toda la historia va contada en primera persona así que no desaparece del escenario salvo varios segundos que se dirige a las bambalinas y dos personas la ayudan a cambiarse de ropa, cambio de peluca y vuelve a entrar otra vez al escenario. Tiene una fuerza y una capacidad de concentración asombrosa y aún así no pierde en ningún instante la sonrisa y las ganas de hacerlo bien. De verdad que es maravillosa.

Y María Gago, Candelaria, yo creo que es lo más divertido de todo el musical. Cuando escribí la novela no tenia una imagen visual tan definida del personaje  pero cuando la vi actuando ya no me puedo quitar de la cabeza su rostro. Está graciosísima, es una gaditana de pura raza y toda esa gracia propia de esa tierra la transmite al personaje. Es además una actriz pequeñita en formato digamos de físico, pero se crece encima de las tablas de una manera que se come el escenario. Levanta aplausos, levanta carcajadas, es tan graciosa . Está fantástica.

Diego Torres: La novela Sira es la continuación de El tiempo entre costuras, ¿Sira también se convertirá en musical?

María Dueñas: Bueno todavía es muy pronto porque la novela Sira todavía tiene mucho recorrido. Se publicó el año pasado y está yendo muy bien. Ahora me voy a Latinoamérica a presentarla y todavía le queda bastante tiempo de vida y prefiero esperar un poco. Sucede lo mismo con la serie que también me han pedido hacer la adaptación a serie de Sira y yo se que lo haremos más adelante pero prefiero esperar un poquito. Con el musical supongo que pasará lo mismo, una vez que ya el libro haya realizado su recorrido entero, difundido por todos los países,  lleguemos a ciertas fechas y hayamos cumplido su arco vital ya vendrán las adaptaciones tanto de serie de televisión como de musical.

Diego Torres: Sabemos que está inmersa en la escritura del guion de un serie. ¿Qué nos puede adelantar?

María Dueñas:  Si, si, es correcto. La verdad es que los escritores de novelas vivimos un momento excelente para realizar ya no sólo nuestras obras literarias sino también nuestras ideas y que sean éstas trasladadas a proyectos audiovisuales. Se ha creado una enorme plataforma audiovisual que suma la fuerza y calidad de Televisa Méjico y Univisión Estados Unidos, que digamos son las dos grandes cadenas mundiales de televisión en español. Han unido fuerzas y han creado una enorme plataforma de streaming que se llama BLIM pero que todavía no se ha estrenado, se está trabajando en ella y bueno me invitaron a sumarme para aportar mis ideas y para hacer algunos desarrollos creativos y ahí estamos trabajando ya en un guión para una futura serie que se rodará este próximo otoño y otras ideas para generar más proyectos posteriores.

Diego Torres: Entonces está muy avanzado el proyecto.

María Dueñas: Si, si, estamos terminando los guiones incluso eligiendo el elenco para empezar a rodar después de este verano.

Diego Torres: ¿Cuántos años lleva usted en este mundo de la escritura de la novela? 

María Dueñas: Pues desde 2009 que se publicó El tiempo entre costuras pero estuve 2 años para escribirla así que unos 15 años. Poco más de una década.

Diego Torres: Me interesa su repuesta porque usted representa a una serie de escritoras que han descubierto su vocación por la escritura en una edad madura. ¿Cómo fue ese cambio en su vida tras el éxito de El tiempo entre costuras y la llegada de la fama?

María Dueñas: Yo era profesora de universidad que tenía una vida totalmente distinta, una vida profesional muy plena, muy absorbente, magnifica en todos los sentidos pero bueno se cruzó una novela por medio y pensé que iba a ser capaz de mantener ambas vertientes pero fui consciente de que no podía, no podía estar al 100 % con mi vida anterior, mi vida académica y mi vida editorial literaria a la vez así que cerré la puerta a aquella vida a la que me había dedicado tantísimos años, creo que era una etapa cumplida y se cerró.

Diego Torres: Nunca es tarde para escribir una novela, ¿verdad?

María Dueñas:   Por supuesto. Yo creo que somos tantos escritores como individuos hay en el mundo y cada uno tiene un perfil, tiene un patrón propio. Hay muchos escritores que si que es verdad que lo tienen claro desde muy jóvenes y hay otros que llegamos desde otras profesiones y que vienen ya con una vida hecha a sus espaldas y de pronto se adentran en la escritura. Y bueno nos va bien porque yo creo que aportamos la experiencia vital, van pasando los años y esa es la verdadera fuente de inspiración: las experiencias de nuestra propia vida.

Diego Torres: Para nuestros lectores que están empezando con el apasionante mundo de la escritura, que están escribiendo su primera novela o que quieren ser escritores de una novela que recorre la vida de una persona, con múltiples escenarios, países, épocas, con datos históricos, así como en El tiempo entre costuras… ¿Qué consejos nos podría comentar?

María Dueñas: Hay que tener en cuenta que lo verdaderamente importante es narrar,  contar una historia sencilla y adornarla con tramas y sub tramas. Esa es la clave y eso es a su vez, lo más complicado: encontrar el equilibrio entre los datos históricos y de investigación y las tramas. Escribir una novela con tantos datos y con datos históricos como me comentas lo importante es que la narración histórica tenga su papel y su sustento y su razón de estar pero que no aburra y que no se coma a la trama. Piensa que el lector que quiere leer una novela histórica pura y dura se va a otro tipo de libro… más al ensayo, a la divulgación… no se quedan en la novela. Entonces esa es la clave: ese equilibrio entre narrar y contar los datos históricos. También es muy importante pulir mucho y quitar mucho que aunque nos apasione la historia y la investigación previa y te pasará como a mi que todo lo que investigamos y encontramos nos perece apasionante. Pero hay que sacrificar sin pudor aunque nos duela, el texto pesado, el párrafo extenso, lo exige el género. Recuerda que estamos escribiendo ficción.

Diego Torres: Y a la hora de escribir ¿es importante tener cierta constancia, un horario establecido, una rutina…?

María Dueñas: Totalmente. Pero también en eso hay una enorme variedad y tipos de autores. Los hay que escriben muy cómodos con un horario y una cierta rutina y otros que escriben a salto de mata, pueden escribir mientras esperan un tren, en un hotel, antes de irse a echar una charla, estando de viaje en cualquier sitio y hay otros que no hacemos eso, que escribimos cuando tenemos un día por delante en nuestro estudio, en nuestra casa. Cada cual va adaptando sus técnicas y sus preferencias a lo que la vida le pone por delante y vamos sacando adelante el trabajo.

Diego Torres: Hablemos ahora de Sevilla, como ciudad. ¿Cómo han sido sus ultimas visitas a nuestra ciudad?

María Dueñas: Sevilla me encanta, he estado recientemente varias veces. Recuerdo antes del verano pasado cuando aún estábamos en el confinamiento, bueno ya se había levantado la mano pero todavía había muchos miedos y visitar Sevilla fue una experiencia muy rara porque estaba toda Sevilla muy vacía, estuvimos haciendo unas grabaciones en el Hotel Alfonso XIII y estaba absolutamente vacío. Fuimos luego a grabar a la Plaza de España y el barrio de Santa Cruz y daba una imagen dantesca, no había nadie en la calle.  Por un lado fue un lujo ver Sevilla así pero por otro lado era una pena , no había nadie, no había visitantes, ni paseantes, ni  turistas. La última vez fue hace unos meses después de Navidad que  estuve haciendo algo de trabajo y ya si se respiraba la Sevilla de siempre. Amo Sevilla y su gente.

Diego Torres: Hablando de la Sevilla de siempre… No se si está conociendo la nueva Sevilla, más cosmopolita y moderna con la inauguración de nuevos hoteles y restaurantes por todo el centro. Para el sevillano hay como una lucha interna entre esa Sevilla moderna y la Sevilla clásica que debe mantener su esencia,  su romanticismo y su costumbrismo. ¿Cuál es su visión como turista y como escritora?

María Dueñas: Sevilla es una maravilla la mires por donde la mires. Yo creo que lo fundamental es mantener el equilibro entre esas dos ciudades, la clásica y la moderna. Hay que dar opción a todos esos nuevos servicios, a todas las opciones pero que no vaya una opción en detrimento de la otra. Pero si es cierto que hay que tener cuidado. Eso ha sucedido ya en muchas ciudades, por hacernos los modernos nos hemos cargado muchísimas cosas de nuestro legado, de nuestro patrimonio. A veces da pena visitar ciertos lugares, ciertos restaurantes con una decoración  que es muy bonita pero que piensas «que pinta esto aquí». Hay que volver a reinterpretar las raíces de cada lugar, de cada ciudad y no alegarse tanto. Pero bueno eso sucede en todas partes y creo que tenemos una sensibilidad muy desarrollada y ya barbaridades no se hacen tantas como antes y estamos muy atentos para que eso no ocurra.

Diego Torres: Y por último, ¿podría ser Sevilla protagonista absoluta de una de sus novelas?

María Dueñas: Pues no te digo que no, no lo he pensado nunca la verdad.  Normalmente escribo siempre sobre sitios que me seducen que me gustan o tengo algún vinculo emotivo especial… así que Sevilla es una candidata perfecta a aparecer en alguna novela mía, desde luego que si, así que ya veremos, ya veremos…

Web del musical: www.eltiempoentrecosturaselmusical.com

Instagram: @eltiempoentrecosturasemusical

Facebook: https://www.facebook.com/eltiempoentrecosturaselmusical

Twitter: @TiempoECmusical

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Sergio Romero Linares.
La cegadora luminiscencia del color negro.

Visitamos en exclusiva el estudio creativo del pintor Sergio Romero Linares y presenciamos, in situ, el instante creador de uno de los artistas sevillanos con más proyección internacional de los últimos años.

Sevilla Selecta Magazine presenta el trabajo previo de creación e inspiración de una de las obras más espectaculares de Sergio Romero Linares. Una mastodóntica obra ecuestre que presenta y expone en su exposición individual «CUERPO, CABALLO, FIGURA» desde el pasado 20 de noviembre y hasta el 20 de diciembre de 2020 en el Espacio Santa Clara de Morón de la Frontera (Sevilla).

Texto y entrevista: Diego Torres
Fotografías: Juanjo García y Diego Torres.

Diego Torres: Muchas gracias Sergio por recibirnos en tu casa y estudio de trabajo. Para empezar esta entrevista hablemos de tus inicios. Me interesa conocer tus primeros años de aprendizaje, el origen de tu talento. Desde tus primeros años hasta tu estancia en la Fundación Antonio Gala y tu beca en la Accademia di Bella Arti de Roma.

Sergio Romero Linares: Gracias a vosotros por vuestra visita. Desde pequeño siempre me ha fascinado el dibujo, recuerdo pasar horas y horas dibujando en el patio de mi casa, en la cocina, dibujando retratos de los futbolistas de las estampitas de fútbol… y ya desde ese mismo instante comienza mi aprendizaje. Luego entré en el Bachillerato de Artes sin ningún tipo de motivación por la pintura, fue una elección simplemente por mi facilidad en el dibujo. La verdad es que no me atrevía al hecho de pintar de manera más seria y constante, a pesar de los ánimos de mis padres que insistían en que debía dedicarme a esto, incluso insistían en regalarme un caballete con sus óleos para mi cumpleaños, pero yo me negaba, no quería pintar…

Diego Torres: Es curiosa la percepción que se tiene a esa edad sobre estudiar arte, ¿verdad?

Sergio Romero Linares: Claro, a esa edad yo pensaba que estudiar artes no tenía muchas salidas. En Andalucía o al menos en Sevilla donde me he criado, siempre el hecho de estudiar pintura, de ser artista desanimaba mucho, el comentario general era que muy pocos conseguían destacar. Y cuando eres un chaval y no tienes ni idea de nada pues entre unas cosas y otras, yo no quise estudiar Bellas Artes. Recuerdo una excursión a la Facultad y vi el nivelazo de los estudiantes que había allí. Frustrado pensé que jamás iba a poder entrar en mi vida en Bellas Artes y después sin quererlo me acabaron concediendo el premio al mejor expediente académico de mi promoción 2011-2015 en Bellas Artes.

Diego Torres: ¿Y qué te hizo cambiar de opinión?

Sergio Romero Linares: Como yo no quería estudiar Bellas Artes, una orientadora me animó a entrar en el grado de conservación y restauración de bienes culturales. Pero fue entonces cuando me di cuenta que no quería restaurar, yo quería crear. Además, veía que tenía mucha evolución en muy poco tiempo. Tenía muchas ganas de aprender. Y decidí continuar en Bellas Artes.

Diego Torres: En esos años es cuando te conceden una beca Erasmus y visitas por primera vez una ciudad que marcará para siempre tu vida artística: Roma.

Sergio Romero Linares: Efectivamente, antes de terminar Bellas Artes me concedieron una beca Erasmus a Roma y ese fue un hecho muy importante en mi trayectoria. La facultad estaba un poco obsoleta en aquel entonces, cosa que ha cambiado a mejor con el tiempo. Fue un gran desafío para mi toda la experiencia romana. Sólo el hecho de estar en Roma, una ciudad tan inspiradora, con tanta historia, tanto arte en sus calles… es un museo andante con cientos de exposiciones tanto de grandes maestros clásicos como de artistas contemporáneos. Es un verdadero lujo pasear por sus calles.

Diego Torres: ¿Pero no crees que Sevilla también ofrece esas sensaciones?

Sergio Romero Linares: Bueno, Sevilla tiene también grandes museos, por supuesto. Desde el Museo de Bellas Artes, el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo), el Caixaforum… Sevilla es la tercera ciudad de España en agenda cultural junto con Bilbao y Valencia y tras Madrid y Barcelona como grandes ciudades del arte.

Diego Torres: ¿Entonces animas a que todo artista debe visitar otros lugares incluso vivir en el extranjero para completar su aprendizaje?

Sergio Romero Linares: Sin lugar a dudas. En Roma me pasaba las horas yendo a museos y exposiciones temporales. A los pocos días de estar en Roma en la casa donde vivía me hice un pequeño estudio de tres metros cuadrados. Ese fue realmente el inicio de mi producción pictórica allí. Empecé a pintar interiores de las zonas de la casa donde vivía, empecé a pintar pequeños retratos de mis días allí. Desde mi soledad. Fue mi primera experiencia en estar solo y vivir fuera de casa. Fue una experiencia brutal.

Y en cierta manera gracias a esa experiencia de vivir fuera, en mayo de 2021 realizaré en Roma una exposición en un hotel palacio de lujo que se llama Palazzo delle Pietre (www.palazzodellepietre.com). Todo surgió en una cena con amigos donde me ofrecen hacer una exposición allí en Roma. Cualquier experiencia o situación, por insignificante que parezca, puede sorprenderte y puede ser el origen, el comienzo, de algo importante. Con el tiempo, todo suma y de cualquier situación inesperada puede surgir algo. De todo sale algo, esa es mi filosofía.

Diego Torres: Volvamos a España… ¿cómo fue tu experiencia en la Fundación Antonio Gala?

Sergio Romero Linares: Fue octubre de 2015. Fue la catorceava promoción de artistas. Allí aprendí muchísimo, aquello fue como realizar un master. Fue una experiencia increíble estar rodeado durante todo un año de pintores, escritores, músicos… muy jóvenes, 24 horas juntos durante todo un año… eran unos verdaderos cracks, cada uno en su disciplina. Fue una experiencia muy buena, super intensa, allí conocí mucha gente e hice muchos amigos y muchos contactos. Fue a partir de ese año cuando empecé a ganar dinero de manera profesional con la pintura. Hace poco estuvo su director José María Gala visitando mi estudio. Tengo una relación extraordinaria con ellos.

Diego Torres: Hablemos ahora de tu estudio. Además de ser tu lugar de trabajo es tu casa. ¿Cómo es habitar el espacio creativo?. ¿Cómo es su luz y su imperturbable serenidad?.

Sergio Romero Linares: Tener mi propio estudio ha sido un paso tremendo en mi trayectoria. Lo adquirí hace ya tres años y ha sido uno de los grandes momentos de mi vida. Lo adquirí al terminar mi año en la Fundación Gala en 2016 y tras ganar un premio de pintura y gracias a la venta de varios cuadros, lo invertí en este fantástico estudio en San José de la Rinconada.

Poseer un estudio es muy importante para un artista no solo para crear sino para guardar también tu trabajo y para concentrarte. Mi estudio es verdaderamente un espacio que me motiva trabajar. Yo quería construir un espacio a mi gusto, con una luz excepcional, una luz que solo otorga la amplitud del campo, sin ruidos y bien conectado con Sevilla. Siempre he deseado que mi espacio sea una motivación para continuar trabajando. Este espacio me crea cierta responsabilidad y cierta motivación a la hora de pintar cuadros con una calidad cada vez más exigente en el resultado final de mi obra, una exigencia con objetivos más profesionales.

Diego Torres: El caballo: origen e inspiración.

Sergio Romero Linares: El tema del caballo surge de manera natural, el primer caballo que pinté fue una copia del cuadro de Velázquez «el Conde Duque de Olivares» que me lo encargó un cliente de Olivares. Desde ese momento empecé a fijarme más en los caballos. Realmente piensa que el caballo en Sevilla, en Andalucía y en sus fiestas, es un emblema de nuestra tierra y de nuestro paisaje.

Y empecé a interesarme y a estudiar las posibilidades plásticas del caballo, su fisonomía, su movimiento… y en su nobleza, en su elegancia, en el apego que tiene con el ser humano históricamente… En 2018 en la Casa de la Provincia en Sevilla hice un cuadro de un caballo de 3 metros por 2 de un caballo que era de un amigo mío, fuimos a su campo y ese fue mi primer contacto real con un caballo. Ahí descubrí su fuerza, su potencia…

En ese momento decidí meterlo más en mi producción. Sinceramente, no quiero encasillarme en un tema, simplemente yo quiero pintar lo que me apetezca… tengo 28 años y mi objetivo es pintar lo que me plazca de manera sincera y acorde a mi persona. No quiero seguir modas, ni innovar, sólo hacer mi visión de la realidad con mi pintura y de crear una ficción que parta de mis propias decisiones. El caballo es cierto que tiene una potencia visual parecida a la del ser humano. Pero es que sólo llevo 1 año y medio pintando caballos!

Diego Torres: Y decides entonces investigar las posibilidades del color negro y junto con el estudio y disección de la fisonomía ecuestre. Pero con nuevas perspectivas, con innovadores ángulos y tonalidades.

Sergio Romero Linares: Me gusta observar el cuerpo tanto del ser humano como del caballo, ambos tienen una fisonomía muy atractiva. Ahora trabajo más el negro sobre negro, es un concepto más abstracto y menos descriptivo. Es más difícil de observar, de encontrar su luz, igual sucede con el blanco sobre blanco. Con esta técnica se crea un misterio y una incertidumbre de no saber dónde está ese objeto, ese caballo o esa persona.

Es una escenografía misteriosa, que parece plana pero que contrariamente, es infinita. No se sabe dónde está el infinito de ese fondo o de esa figura, no se ve el principio y el final. Me gusta la simpleza de esa teoría, la teoría de las formas simples y de escasos colores en mi paleta. Menos es más.

Diego Torres: Efectivamente parece escasa tu paleta de colores pero realmente el negro tiene infinitas tonalidades con colores negros y grises muy diversos.

Sergio Romero Linares: El negro lo llevo utilizando desde hace mucho tiempo. No sólo pinto con negro o con blanco pero si que es cierto que he reducido mi gama cromática a otra gama cromática con matices mucho más similares. Uso sepias, uso azules, verdes, carmines, blancos o negros más cálidos o más fríos… y el resultado son cuadros más “desaturados” pero sinceramente, matices tiene muchos. Y sobre todo me encanta que mi obra tenga textura, me gusta ver esos barnices… colores que se sobre exponen, la dirección de la pintura. Soy un poco friki de las texturas, me gusta mucho tocar la pintura como si fuese una escultura.

En mi caso, no se trata de crear una obra con muchos colores, se trata de que la obra sea interesante. David Hockney me encanta y es un pintor que utiliza mucho el color, con una paleta concreta y personal y ese debe ser mi objetivo como pintor, conseguir esa personalidad en la paleta y en la obra, indiferentemente si utilizo más o menos color.

Diego Torres: Otra de tus especialidades es el retrato. Tras estudiar la fisonomía ahora añades cierta psicología al pintar.

Sergio Romero Linares: El retrato para mí es la temática que más me motiva y me interesa muchísimo investigar su técnica. En un viaje de dos días que realicé a Londres, lo primero que visité fue la National Portrait Gallery, lo visité incluso antes que ir a la National Gallery. Pero a pesar de mi admiración por el retrato yo no voy a ser sólo un pintor retratista, como ya comenté anteriormente, no quiero centrarme solo en un tema, pero me interesa mucho el retrato. Y ese componente de psicología me fascina.

Diego Torres: Como decía Edgar Degas «el arte no es lo que ves, sino lo que haces ver a los demás».

Sergio Romero Linares: Exacto. A la hora de crear un retrato mi intención es llevar ese retrato a mi terreno, trato de crear un retrato ficticio de mi realidad creativa, a mi obra ficticia. Otra cosa es pintar un retrato de encargo que es cuando efectivamente tienes que captar la personalidad de esa persona y transmitir en ese cuadro su carácter. Es maravilloso cuando a través de la pintura sabes canalizar eso y pasar por tu filtro toda esa información visual y añadir tu percepción con la identidad real de esa persona.

Diego Torres: ¿Cómo es tu relación con otras disciplinas artísticas?

Sergio Romero Linares: Pues la verdad es que me gusta pintar con música de flamenco de fondo. Me relaja y da sonoridad a mi creatividad. Más recientemente estoy descubriendo las posibilidades de la arquitectura, del interiorismo y de la decoración. En Barcelona me está representando el decorador Toni Espuch quien ha introducido mi obra en su espectacular showroom Azul tierra (www.azultierra.es), un espacio increíble en el que se puede encontrar piezas de arte contemporáneo, de anticuario, piezas de coleccionista y de decoración. Es como una gran galería de arte y es para mi todo un orgullo que mi obra forme parte de su catálogo y de grandes proyectos.

Diego Torres: Y para terminar, hagamos un repaso a tus próximas exposiciones. El coronavirus no ha obstaculizado que tu agenda de este año y el del 2021 sea imparable.

Sergio Romero Linares: Paradójicamente, este año a pesar de todo lo que está sucediendo a nivel de pandemia, para mí este año está siendo muy movido a nivel de producción y de agenda expositiva.

Actualmente estoy participando en una exposición colectiva en New Jersey en Estados Unidos, en concreto desde el pasado 18 de octubre en la Galería Mana Contemporary. La exposición se llama Transatlántico y recoge el trabajo artístico de los artistas que han pasado por el Palazzo Monti en Brescia, Italia y bajo la supervisión de Edoardo Monti. La exposición estará abierta hasta el próximo 17 de abril de 2021. (instagram: @manacontemporary) (instagram: @palazzomonti)

En mayo en 2021 en Roma en el Palazzo delle Pietre, estaré con obra nueva y de un formato más reducido.

Para finales de enero de 2021 haré una exposición en el Museo Nacional de Faro, en Portugal, en colaboración con Artadentro (www.artadentro.com)

Y actualmente y hasta el 20 de diciembre de 2020 en el Espacio Santa Clara de Morón de la Frontera, mi exposición CUERPO, CABALLO, FIGURA.

La verdad es que estoy muy contento, supone una gran motivación vender y exponer fuera de España, en Italia, Portugal, Estados Unidos…

Diego Torres: Muchas gracias Sergio.

Instagram: @sergio_romero_linares

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Tomás Alía: una extraordinaria lección de elegancia estética para los sentidos.

Concluimos nuestros Diálogos en la distancia con uno de los arquitectos y diseñadores más importantes de nuestro país: Tomás Alía.

De Tomás Alía podríamos destacar cientos de cualidades: desde su elegancia en la terminación de sus proyectos, su sabiduría en la elección de los materiales, su belleza e innovación en el interiorismo de hoteles y restaurantes, su apuesta por recuperar lo tradicional y aunar la contemporaneidad con la excelencia artesanal.

Pero además de lo mencionado, Tomás destaca sobre todo por su calidad humana. Es una persona extremadamente educada, un ser especial… y esta característica perdura aún más en nuestro recuerdo, más aún que sus creaciones.

Con Tomás conversamos sobre cómo se transformará nuestra vida cotidiana tras la aparición (y esperemos, desaparición) del covid-19 y sobre nuestra visión estética en la arquitectura y la decoración.

Sevilla Selecta les invita a descubrir el presente y el futuro inmediato de Tomás Alía en una extraordinaria lección de elegancia estética para los sentidos.

Diego Torres: ¿Dónde estabas residiendo cuando surgió todo este drama que ha supuesto la aparición de esta terrible pandemia?

Tomás Alía: Pues todo esto me ha pillado en Madrid, en casa, porque Estudio Caramba lo tuvimos que cerrar.

Diego Torres: Imagino que todos los proyectos que tenía Estudio Caramba, tu empresa y estudio de arquitectura y decoración, se paralizaron. Pero ¿cómo está siendo tu regreso al trabajo?

Tomás Alía: Estudio Caramba del cual soy el director creativo, no paró en ningún momento su actividad, de hecho hemos trabajado porcentualmente como un 40 % más de lo habitual. Tuvimos la ventaja que entró en concreto un gran proyecto y hemos trabajado mucho más, tele trabajado en este caso, claro.

Hemos abierto Estudio Caramba y hemos regresado al trabajo desde el pasado 1 de junio. Todo el mundo se ha reincorporado a su puesto de trabajo, con la distancia de seguridad, con las medidas de higiene previstas por el Gobierno y cuidando al máximo todo el tema del virus por supuesto. Ya completamente normalizados a nivel laboral.

Diego Torres: ¿Qué proyectos inmediatos tienes entre manos?

Tomás Alía: Mis proyectos inmediatos son un hotel en Roma, en la Vía Veneto, un hotel que ya estoy terminando en la Gran Vía de Madrid, el Hotel Macarena (antiguo Hotel Rex), tanto el hotel en Roma como el de Madrid ambos para la cadena Room Mate, unos hoteles nuevos en Valencia y Alicante, un proyecto grande en el sur de España, unas viviendas unifamiliares que ya tenemos empezadas.

Diego Torres: Durante estos tres meses de confinamiento gracias a la tecnología te hemos visto dar innumerables conferencias, participar en coloquios, webinars… has tenido una continua y diversa presencia en medios digitales. Curiosamente nunca hemos estado más acompañados en nuestras casas. ¿Era tu manera de mantener contacto con tu público y con el resto de profesionales?

Tomás Alía: Efectivamente he estado muy activo en redes sociales, sobre todo en los Instagram Direct, conectado con personajes relevantes de la cultura y del ocio en general, sobre todo gente que tiene que ver con la profesión. Hemos hablado mucho de salud estética, de cómo va a ser nuestro día a día después de la pandemia en el nuevo hábitat, en esa nueva salud estética.

Pedagógicamente ha sido muy interesante que yo aportara mis conocimientos y mi experiencia en todos esos coloquios digitales, sencillamente para que la gente conozca cómo va a convivir no sólo en espacios públicos y de ocio, sino también en espacios privados. Para mí ha sido muy interesante reflejarlo y contarlo en esa ventana abierta que son las redes sociales, pero insisto, siempre con intención y voluntad didáctica.

Diego Torres: Estoy convencido que el trato de un arquitecto con su cliente debe ser en persona. Esa conversación «in situ» es rigurosamente necesaria. En cierta manera tu trabajo de arquitecto diseñador tiene mucha dosis de psicología, ¿estás de acuerdo?

Tomás Alía: Por supuesto, nuestro trabajo es profundamente un análisis sociológico y psicológico del perfil del cliente, al cual le vamos a hacer ese traje a medida. Son fundamentales las entrevistas, el cliente me comenta, me transmite su forma de vida, sus necesidades, sus gustos… y piensa que yo voy a ser la persona que voy a materializar esos sueños. Con lo cual es fundamental conocer, es vital el tu a tu, la entrevista, los previos, el seguimiento, el conocer, el saber realmente cómo es el personaje al cual voy a proyectar una casa. Yo tengo que proyectar una casa dirigida a mi cliente, no es mi casa, es la casa de mi cliente, con lo cual tengo que conocer perfectamente a mi cliente. Eso es vital.

Diego Torres: ¿Cómo ha cambiado la manera de entender la decoración en nuestras casas tras estos dos meses de confinamiento?, ¿se ha transformado nuestra percepción de hogar en una búsqueda por encontrar una decoración más funcional e incluso… higiénica? En alguna ocasión te he escuchado hablar de «salud estética».

Tomás Alía: Nuestra vida y nuestra forma de entender el interiorismo ha cambiado desde el punto de vista de la percepción. Durante la pandemia, todo el mundo se ha preguntado cómo mi vivienda es más salubre y cómo es esa salubridad con mi familia… cómo está orientada, qué luz natural recibe… y una vez que sales del hogar, cómo me vinculo, cómo me rodeo e interactúo con el resto de los seres humanos…

Todo eso nos ha hecho plantearnos una nueva necesidad, con una nueva escala de valores. En esa nueva escala de valores se establece que los interiores estén dotados de mucho más confort, de una estética mucho más social, ese confort, esa proporción y esa ergonomía son las claves del bienestar, en interiorismo y en arquitectura ya sabes que el verdadero lujo es el espacio.

Es muy importante tener en cuenta este tema porque a raíz de esta pandemia y con la posibilidad del teletrabajo desde casa se debe crear ese nuevo espacio en convivencia con la familia o con la persona con quien convives.

En Estudio Caramba tenemos un departamento de I+D donde estamos diseñando un módulo de trabajo con arquitectura modular industrial, donde yo pueda ubicar de manera limpia esos espacios de trabajo con el resto de espacios de la convivencia, donde la secuencia del estar, del comer, del dormir… convivan perfectamente con el teletrabajo.

Además, te comentaré que tras la aparición del covid 19 estamos investigando sobre todo materiales con una asepsia elevada, es decir, con un índice muy elevado de control y destrucción del virus, tanto a nivel de hoteles y su lencería como a nivel revestimiento, como son suelos, pinturas, vinilos… Todo perfectamente estudiado y preparado para facilitar el desarrollo anti virus creando unos coeficientes de asepsia muy respetables. Realmente son datos muy a tener en cuenta a la hora de proyectar una vivienda mucho más aséptica y más humana.

Diego Torres: En tu trayectoria como arquitecto diseñador podemos encontrar tus diseños en diferentes hoteles como los Room Mate y en múltiples restaurantes, ¿cómo replanteas la decoración es estos espacios tras el covid 19?

Tomás Alía: Realmente mi obra es muy prolífica tras casi treinta años que llevo de profesión. He hecho mucha obra pública y también privada, con reconocidos iconos como el diseño de un estadio olímpico para el mundial de fútbol, pasando por unos palacios extraordinarios… en mi época de Qatar. Y efectivamente son muy importantes mis trabajos con cadenas hoteleras nacionales e internacionales como Room Mate, Hospes y diferentes compañías hoteleras.

Respecto a tu pregunta, en los lobbies (vestíbulos) de los hoteles y según sea el grado de pandemia, el uso de estos espacios dejará de ser zona de convivencia para convertirse en zona de tránsito, de exhibición, casi de museología. Se implantarán usos domóticos por ejemplo en el uso de las llaves magnéticas de apertura y cierre de las habitaciones, dejarán de servirse los desayunos buffet para realizarse de manera individual o en room service. Hay que establecer muchos más controles.

De la misma forma, en los restaurantes la tendencia en el nuevo uso de todos estos espacios va a suponer la instalación de una especie de burbujas, muy estéticas y muy bien ordenadas en funcionalidad, circulación y distribución, que concreten el espacio y lo hagan mucho más aséptico. Esa va a ser la tendencia, crear burbujas asépticas dentro de los restaurantes donde la gente se pueda reunir entorno a lo permitido y que sea fácil su limpieza tras su uso.

Diego Torres: Álvaro Carrillo y Ernesto Artillo arquitecto y fotógrafo entrevistados también en nuestros Diálogos en la distancia, nos hablaron de la importancia de humanizar sus trabajos, de crear un nuevo humanismo en las disciplinas.

En tu caso tu apuesta se centra en recuperar el concepto artesanal, el concepto Artis Manus como seña de identidad, como admiración por lo local, por la tradición y sus costumbres de creación.

Últimamente estás colaborando intensamente con la Fundación Michelangelo. ¿En que consiste su labor?

Tomás Alía: Como resultado de mi pasión por lo artesanal soy embajador en España de la Michelangelo Foundation, una Fundación que se dedica a proteger la excelencia artesana, la excelencia de la artesanía europea y como embajador que soy, mi voluntad es la de investigar, aplicar, proteger y promocionar esta alta artesanía. Por supuesto en mis proyectos siempre aplico esa artesanía tradicional pero en clave contemporánea, siempre actualizada y con un lenguaje que hable de presente-futuro.

El deseo de la Fundación Miguelangelo con sede en Ginebra, siempre es proteger la excelencia artesana europea, proteger esta alta artesanía y lo que hace es acercar disciplinas entre los artesanos y los altos decoradores, creando un producto, una marca concreta. La exhibición de esa unión se realiza a través de dos eventos, uno es el Homo Faber 2020 y que se celebra bienalmente en Venecia y el otro evento es Doppia Firma coincidiendo con el Salone del Mobile de Milán donde se presenta ese producto revisado por los diseñadores y los artesanos.

Diego Torres: Me gustaría que nos comentaras tu labor de puesta en valor y divulgación de la cerámica de Talavera. Has conseguido que sea Patrimonio de la Humanidad.

Tomás Alía: En la misma línea también soy embajador de la cerámica de Talavera de la Reina y de Puente del Arzobispo, la cual hemos conseguido que sea declarada por la Unesco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad junto con la cerámica de las Pueblas en México.

La cerámica de Talavera es un arte histórico de siete siglos de antigüedad, una cerámica que ha sido el elemento decorativo principal de la Corte de los Austrias, como podemos comprobar en el Monasterio de El Escorial y que perdura hasta nuestros días, con lo cual, tiene un histórico maravilloso y mi obligación es promover y difundir esa artesanía y vincularla a mis proyectos.

Diego Torres: Incluso te refieres a él (al concepto artesanal) como el auténtico nuevo lujo.

Tomás Alía: Efectivamente. La aparición del covid-19 ha generado un nuevo humanismo y ha supuesto que las personas adopten espacios más humanos, mucho más sencillos. Es decir, buscan propuestas más sobrias, menos opulentas y ostentosas, sobre todo más contemporáneas. En interiorismo la tendencia actual es hablar de presente-futuro, no consiste en retrotraerte al pasado ni crear secuencias palaciegas. Insisto, la tendencia actual en el interiorismo consiste en crear espacios más silenciosos, más cultos y sencillos, esa es la verdadera tendencia y el verdadero lujo.

En la actualidad el lenguaje que predomina es el de incorporar ese nuevo humanismo, incorporar esos oficios artesanos. La excelencia en el diseño arquitectónico es evitar lo industrial y apostar por lo artesanal.

Diego Torres: Además, concluyes que la adquisición y compra de artesanía es mucho más sostenible que los productos de consumo barato y de vigencia más perecedera, estéticamente hablando.

Tomás Alía: Exacto. La artesanía es mucho más sostenible porque los materiales utilizados suelen ser del entorno, no es un material que se importa. Además, el material sobrante lo reutilizas y lo conviertes en biodegradable porque suele ser barro, productos naturales como cáñamo o lino…

También, y este es un dato muy importante, con el tema artesanal se generan muchos puestos de trabajo, por eso se debe potenciar y promocionar. Y por otro lado también hablamos de incentivar, repoblar y dar riqueza a la España vaciada.

No hay nada más sostenible que la artesanía porque evitas ese tránsito de distancia, evitando la importación de materiales del exterior, te auto provees y como te comentaba, das mano de obra a la España rural.

Diego Torres: Este concepto de artesanía como verdadero producto de lujo fue tu hilo argumental en el pasado HotelELLE. ¿Qué tal fue tu experiencia en aquel espacio?

Tomás Alía: Mi experiencia en HotelELLE fue fantástica porque se decidió presentar un espacio público dentro de la nueva hotelería de lujo. El nuevo lujo en este sector atiende a recursos de excelencia artesanal, como fue en mi caso, con una propuesta que creaba un espacio neutro donde la artesanía y el arte tenían un protagonismo máximo a través de la texturas, es decir, las cortinas eran cerámicas, las alfombras eran texturizadas, los muebles eran con piel de galuchat (el galuchat es una piel curtida de pescado)… había cerámica tradicional de Isabel Bompel en colaboración conmigo… había unas mesas de vídeo reutilizado….

En definitiva, era un espectáculo espacial con mucho protagonismo de la escultura, de lo artesanal y su excelencia, con mucha calidad en los objetos decorativos, objetos muy cotidianos pero de mucha calidad. Era un espacio verdaderamente sorprendente.

Diego Torres:14.- Hablemos del concepto arquitectura y diseñador como marca, ¿te atrae crear tu propia marca de diseño más allá de tu estudio?. Dicho de otro modo, ¿te atrae la posibilidad de crear sinergias entre diferentes disciplinas? Por ejemplo, como hizo Ralph Lauren con el mundo de la moda, extendiendo su talento a una línea comercial para la decoración del hogar… o quizá de momento ¿prefieres colaboraciones puntuales?

Tomás Alía: La marca Tomás Alía tiene varias vertientes, por un lado tenemos el Estudio Caramba donde soy el director creativo y por otro lado mis investigaciones como embajador de las dos instituciones mencionadas anteriormente. También tengo mucho diseño industrial exclusivo revisado por mí, dedicado a diferentes materiales, como por ejemplo, suelos, muebles, iluminación, objetos industriales en general como lámparas, piezas artesanales… hay muchísima faceta mía de producto marca Tomás Alía, está ya muy extendida sobre todo en el extranjero.

Diego Torres: Te definiría como un profesional de la estética con una percepción de la belleza y una sensibilidad muy acentuada, ¿dónde encuentras la inspiración?

Tomás Alía: Me inspiro siempre en la gente, en lo racional, en lo expresivo, en las tribus urbanas… sobre todo me inspiro en el arte, en mis viajes, en la historia y en la tradición de las cosas pero sobre todo me inspiro en la forma de vida contemporánea, me interesa muchísimo la contemporaneidad.

Diego Torres: Eres un gran apasionado de Marruecos, ¿qué tiene ese país y su cultura para que haya atrapado tus sentidos?

Tomás Alía: Marruecos es mágico, es todas sus connotaciones es algo muy lejano pero a su vez es muy cercano, tan lejos y tan cerca, es un país muy rico en color, en textura en tradiciones y artesanía y arquitectura, en gastronomía. Y luego es un país muy feliz, la gente siempre sonríe, donde la gente vive de manera mucho más natural, la fruta sabe a fruta, los aromas son diferentes, tiene la sensualidad que tiene el mundo árabe que es muy atractiva.

Diego Torres: ¿Será Tánger tu primera escapada?

Tomás Alía: Por supuesto, Tánger será mi primera escapada en cuanto abran las fronteras y pueda coger un vuelo. Será sin duda mi primera escapada. Tánger es sensualidad en la plenitud de su significado.

Diego Torres: ¿Te veremos pronto por Sevilla? ¿Tienes algún proyecto en nuestra ciudad?

Tomás Alía: Sevilla es una ciudad que amo y adoro. Estoy con un proyecto entre manos que está a punto de iniciarse y me veréis en muchas ocasiones por sus calles. Sevilla es una ciudad verdaderamente inspiradora para mí. De Sevilla me gusta todo.

Diego Torres: Y para terminar, ¿qué te sugiere Sevilla estéticamente?

Tomás Alía: Sevilla me sugiere belleza estética, formas, cromatismo, aromas, estilo de vida… es de la ciudades más apasionantes que conozco, una ciudad que fue en su momento verdadero ombligo del mundo, y que tiene un pasado, un bagaje y una forma de sentir y de expresarse maravilloso. Es un verdadero estilo de vida, me fascina su arquitectura, me fascina su vivienda, su forma, su cadencia del modo de entender la vida, me gusta mucho su expresión, su alegría, su color.

Sevilla es una ciudad que no está en el mar pero tiene mar, con lo cual, está conectada y ese pequeño detalle se nota.

Diego Torres: Muchas gracias Tomás.

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Nuestra cuarta entrevista en Diálogos en la distancia está protagonizada por Cristina Heeren, fundadora y alma creativa de la Fundación Cristina Heeren de Arte Flamenco en Sevilla y de la Escuela Internacional de Flamenco. Una Fundación que nace en 1993 gracias a la pasión y admiración por el arte flamenco de nuestra tierra. Norteamericana de nacimiento, desde aquel 1993, Cristina se dedica en cuerpo y alma a la promoción, enseñanza y conservación del flamenco en Andalucía y España.

Desde su prestigiosa Escuela Internacional de Flamenco ha formado desde entonces a más de 6.000 jóvenes de todo el mundo en el arte del Cante, del Baile y de la Guitarra.

Actualmente y a causa de esta dramática pandemia del covid-19, Cristina Heeren se encuentra retirada en el campo en su finca de Granada pero su Escuela continua la labor de enseñanza ya no de manera presencial sino de manera on line.

Desde la primera semana de clausura de las clases presenciales, la Escuela Internacional de Flamenco Cristina Heeren tuvo clara la adaptación a este confinamiento y decidió continuar las clases de manera telemática. Un aula virtual en el que alumnos y profesores utilizan recursos digitales para estudiar a distancia durante el cierre de la escuela de flamenco, mientras el personal teletrabaja y presta atención online y telefónica a sus alumnos.

El equipo directivo y los profesores han ideado una adaptación del plan de estudios habitual realizando videoconferencias por medio de Skype y Zoom, y grupos de whatsapp para comunicarse entre el profesorado y los alumnos.

«El mundo se puede parar, pero el flamenco nunca se va a parar porque va dentro del alma», así resume el maestro José de la Tomasa el deseo de toda la Escuela de continuar con su labor desde la aparición de la pandemia.

Como explica Pepa Sánchez, directora académica de la escuela, «no podemos suplir la esencia presencial de nuestro plan de estudios, ni el contacto en vivo entre cantaores, guitarristas y bailaores, pero sí podemos ayudar a los alumnos con lecciones técnicas, recursos y correcciones, utilizando herramientas digitales a nuestro alcance en teléfonos móviles, tablets y ordenadores».

De esta manera y con ayuda de los coordinadores de cada área, la dirección académica ha elaborado un planning de estudio a distancia, orientado al repaso de contenidos impartidos en lo que va del segundo semestre, de cara a la preparación de los primeros exámenes parciales. «La operativa es muy compleja, pero nos compensa el enorme esfuerzo que están realizando tanto los alumnos, como los profesores y auxiliares. A todos nos está emocionando la generosa respuesta de esta familia que es la Fundación Cristina Heeren, más unida que nunca… a pesar de la distancia», confiesa Sánchez.

Todo el personal administrativo teletrabaja para seguir atendiendo a los alumnos y gestionando los trámites disponibles on line en la web oficial de centro. Además, el equipo está ya elaborando posibles reorganizaciones de calendario para recuperar horas lectivas presenciales, en la medida de lo posible, siempre teniendo en cuenta lo excepcional de la situación a escala internacional.

La página www.flamencoheeren.com sigue actualizándose a diario, al igual que las redes sociales que, en estos días, no sólo difunden información y comparten artículos en prensa sino que también alivian las jornadas de confinamiento rescatando de sus archivos vídeos y fotos de clases y actuaciones, material que los seguidores están agradeciendo y respaldando con cientos de likes y miles de reproducciones. Un ejemplo, el primer minuto de la zambra que Pastora Galván, profesora invitada, ha montado en su cursillo de marzo: ya va para las 30.000 visualizaciones en Facebook.

El flamenco no se detiene… y la Fundación Cristina Heeren tampoco.

Por todo lo comentado anteriormente creemos oportuno publicar en estos momentos la entrevista realizada hace unos meses con su directora Cristina Heeren, para demostrar que el flamenco no se detiene. Es mucho más fuerte la pasión de todos los profesores y sus alumnos.

Cristina Heeren.
Una vida de sueños cumplidos.

Entrevista realizada por Diego Torres.
Fotografías de Manuel Galindo.

Diego Torres: Nos gustaría recordar en esta primera pregunta la figura de su padre. Fue un gran aficionado al flamenco, la llevaba a tablaos e incluso tocaba la guitarra española… y gracias a él usted se formó un oído y una afición: ¿cuáles son sus recuerdos de aquella infancia con él?

Cristina Heeren: Teníamos mucho en común. Hablábamos de temas que a mi madre no le interesaban para nada. Hablábamos de las armonías flamencas, y todo eso. Teníamos también los animales, él era muy bueno con los perros, existía una conexión. No era como una relación que tiene hoy en día un niño con su padre que es mucho más cercana, ¿no?, ahora el padre está mucho más presente en la educación y en la vida cotidiana del hijo. Había una pequeña distancia ahí, pero nos llevábamos muy bien y nos hemos divertido mucho.

Diego Torres: Su padre Rodman Heeren, se casó con la conocida socialité brasileña Aimée de Sotomayor. Gracias a la educación que le brindaron sus padres usted creció y se rodeó de una infinidad de grandes nombres y personajes del arte en todas sus disciplinas: Yves Montand, Jacqueline Kennedy, Julio Cortázar, Ava Gardner, Ernest Hemingway o Orson Welles, otro gran apasionado de la cultura española… ¿De qué hablaba con Orson Welles?

Cristina Heeren: Pues de toros. Lo conocí en mi época taurina, en las corridas. Él era un experto en dolores de cabeza. Hacía unos masajes muy especiales… (risas). Recuerdo en una verbena de San Antonio en la que tenía migraña, y él me dijo que me la quitaba. Se puso detrás de mí a hacerme un masaje en la cabeza y funcionó, e incluso me quitó también todo el maquillaje.

Diego Torres: Los años 60 fueron sus años como estudiante en la universidad en Madrid, y llegó a conocer ese Madrid en blanco y negro, con sus inocentes tópicos y los personajes nocturnos de una España franquista y costumbrista, como los que aparecen en la serie de Paco León, Arde Madrid. ¿Esos días de vino y rosas son los que motivaron su atracción definitiva por España?

Cristina Heeren: En parte sí, motivaron mi amor por este país. Aunque yo soy más campesina… (risas). Fue una época maravillosa, además como era una ciudad relativamente pequeña pues los fines de semana me iba al campo con mis padres. Estudié un año allí, y mis padres después dijeron que ya está bien… aunque creo que fue porque vieron una parte de fiesta y “juerga” durante ese año mientras estudiaba.

Diego Torres: Bueno, la fiesta también forma parte de la vida académica.

Cristina Heeren: Sí, pero yo tenía otro tipo de vida, no es como la fiesta hoy en día. Yo era muy aficionada al flamenco e iba mucho a los tablaos, y volvía muy tarde… Vaya, a veces iba hasta directamente del tablao a clase y viceversa. Después de ese momento, entré en la carrera en Nueva York, y entré haciendo Ciencias Políticas, que era lo que había elegido, pero después cambié de carrera e hice Literatura, inspirada por una clase de Carlos Bousoño, y ya no quise seguir la política.

Diego Torres: Vivió en la casa de una amante de Picasso en París, ¿verdad?

Cristina Heeren: Sí, bueno, ella era la propietaria y yo la inquilina, la verdad que nunca hablamos de ese tema. Era un tema un poco tabú, como es evidente.

Diego Torres: ¿Y qué se lleva usted de París?

Cristina Heeren: En París trabajé como montadora de cine en una época muy interesante. La película se cortaba de verdad, el rollo en sí. Cuando llegaba el rollo, se cogían las tijeras y se cortaba y pegaba. Era otra profesión completamente. Se preparaban versiones diferentes, venía el director y elegía la que más le gustaba. Entonces le metíamos la música, que era lo más divertido para mí. Era mágico y muy habilidoso.

Diego Torres: ¿Nos podría relatar los viajes y destinos de la obra pictórica “El bote blanco”, de Sorolla?

Cristina Heeren: Por supuesto,»El bote blanco» lo compró al final su bisnieta Blanca Pons-Sorolla, que es muy amiga mía, y además escribió un libro muy interesante sobre los clientes del mismo. La obra, se la llevó mi abuelo, pero estaba en manos de una prima de mi padre. Ella era una señora así “solterona”, terriblemente tacaña, tenía una casa grande y mal cuidada… y ahí estaba el Sorolla, abandonado, porque ella no vivía en la casa. Pensamos que algún día podrían robarle y que sería un desastre. Mi padre hablaba mucho con ella e intentaba convencerla para que se lo vendiera a él, y estuvimos así años y años, visitando el cuadro en esa casa siniestra inhabitada y abandonada. Al final, cuando ella murió, nuestra sorpresa fue que le dejó el cuadro a mi padre en su testamento. Mi madre tuvo la tentación de venderlo, y yo me enfrenté a ella. Le dije que ella tenía todo lo que era de mi padre, y que subastase todo lo que ella quisiera, pero como vendiera ese cuadro, cortaría mi relación de hija con ella. Y gracias a eso, hemos conservado la obra, la cual viaja por el mundo entero, tiene muchísimo éxito y ahora mismo esperamos que vaya también al museo Metropolitan de Nueva York. Es fenomenal que el mundo conozca a Sorolla, que fue realmente un gran precursor del movimiento impresionista.

Diego Torres: Fue una gran amiga de Antonio Ordóñez y de sus dos hijas, con él vivió el mundo del toro con gran pasión, pero con el paso del tiempo ha empezado a cambiar sus sentimientos hacia los animales y es una acérrima apasionada de la Etología. Andalucía es una tierra que ama especialmente a los animales y su libertad en el campo, el ser humano ha conseguido dominar al caballo, pero no así con el toro. En los genes del toro está siempre embestir. El toro es historia y símbolo eterno de España, pero… usted ya no visita tan frecuentemente las plazas de toros, ¿verdad? ¿quizá continúa visitando las plazas porque aún puede más su admiración por todo lo relacionado al arte del toreo?

Cristina Heeren: Mi época taurina ya ha pasado, excepto cuando me invita algún amigo y voy. Lo he resuelto en el pasado, pensando que cuando el arte se hace más importante que la crueldad, entonces podemos aceptar esta tradición. Ahora, si vas a una corrida mediocre, sí que lo sufres mucho. Ahora me dedico mucho más a los animales que a ir a ver corridas de toros. Es muy chocante, pero lo tengo procesado y he cambiado en ese sentido. Leo mucho sobre “etología”, sobre la psicología animal, porque te sorprenden mucho los animales, y me encanta cómo pueden llegar a ser tan inteligentes y conscientes de todo.

Diego Torres: Hablemos ahora de su Escuela de Flamenco. Impresiona la calidad e importancia en la elección de los profesores: desde Pepa Sánchez, Milagros Menjíbar, Javier Barón, Fernando Jiménez, Luisa Palicio, Antonio Molina «El Choro» , que ya apareció en nuestra revista, Beatriz Rivero, Rosi Navarro «La Divi», el guitarrista Pedro Sánchez, y la bailaora y guitarrista Patricia Lozano. ¿Desde el comienzo tenía claro que debían ser grandes nombres del flamenco los profesores de su academia?

Cristina Heeren: Sí, quería que fueran gente conocida por los alumnos para su motivación. Siempre me ha parecido importante. Como las masterclass, que siempre estamos buscando gente relevante y nueva para ofrecerles a los alumnos también una visión más completa de lo que es el flamenco.

Diego Torres: En sus clases se estudia la Teoría y la práctica, pero sobre todo se insiste en practicar, practicar y practicar. ¿El talento debe trabajarse?

Cristina Heeren: La técnica se aprende, cualquier persona que le dedique tiempo se aprende. No se aprende a ser artista, la técnica le da alas al artista, pero eso lo lleva en la sangre. No tiene que preocuparse nunca y que además se ve limitaciones, que es lo que nosotros buscamos en la Fundación.

Diego Torres: ¿Estará de acuerdo que también es importante aprender la historia del pasado del flamenco, verdad?

Cristina Heeren: Las clases teóricas están muy bien diseñadas por Pepa Sánchez, que es hija de cantaor y además tiene un doctorado en flamenco. Vemos las distintas influencias de música y luego los antiguos y variaciones de éste. Tienen que saber distinguirlas, es muy rígido y difícil, pero los alumnos lo hacen, por ejemplo, las soleás. Es importante estudiarlo.

Diego Torres: Siempre que puede intenta asistir a las clases como una alumna más. ¿Usted aprende también cada día con ellos?

Cristina Heeren: Me gusta mucho cuando voy y, además, me molesta cuando estoy disfrutando con los alumnos y me llaman para firmar papeles (risas). Aprendo mucho de los profesores, pero también es muy interesante y fresco conocer a los alumnos, ver su evolución y seguirlo. Después de los tres años de curso, recomendamos siempre que se queden un año más para hacer unas prácticas, porque así tienen la posibilidad de trabajar con los profesores codo con codo, ser monitores de otros alumnos nuevos. Aprenden más de esto, claro.

La relación con los alumnos es fantástica, siempre charlamos y siempre estamos abiertos a cambios, a mejorar, y todo eso. Son 85 alumnos en el curso anual, y por la tarde vienen incluso niños más pequeños.

Diego Torres: En el día internacional de la mujer de este año usted reunió a unas mujeres tocaoras de guitarra para dar visibilidad e importancia a la mujer en un mundo, el del flamenco, dominado casi exclusivamente por guitarristas masculinos. ¿Por qué aún no ha eclosionado, a nivel gran público, una mujer guitarrista?

Cristina Heeren: Muchas veces cuando hay una diferencia así, creo que es por razones físicas. La mano derecha requiere mucha fuerza, y no todas las mujeres la tienen por mucho que se entrenen. No somos iguales, es totalmente absurdo decir que somos iguales. Somos quizá ¡mejores! (risas), pero no iguales. El feminismo, para mí, no busca la igualdad, sino la equidad, es decir, el mismo nivel de oportunidades. Por nuestra morfología también es incómodo, evidentemente, te aprieta el cuerpo.

Diego Torres: Ya para ir terminando y por mera curiosidad… ¿cómo son sus fiestas en su casa?

Cristina Heeren: Las fiestas flamencas, los años sesenta en Madrid… eran brutales. Era todo un desmadre, todo el mundo nos disfrazábamos, me encantaba. También escuchábamos mucho flamenco en estas casas, y he visto cosas muy buenas al mediodía, es curioso. El flamenco de mediodía casi no se ve, es todo por la noche. Pero es maravilloso, en muchos cumpleaños, gente que cantaba, bailaba… Aún así, si te soy sincera… no me gusta mucho la fiesta, en el fondo. Me gusta el flamenco, pero no la fiesta que lo acompaña.

Diego Torres: Muchas gracias Cristina.

Transcripción: Andrea Garrido.

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Fotografías de Manuel Galindo.
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La poesía visual de la imperfección.

Entrevista realizada por Diego Torres.

Diego Torres: Hola Ernesto, me interesa mucho que nos comentes el motivo por el que expone personas desnudas en sus obras artísticas. En varias ocasiones en esta entrevista vamos a hacer referencia a este concepto. Empecemos con «La mujer que llevo fuera» en la que “vistes” la desnudez de 40 seres humanos con… 40 trajes en los que están pintados los atributos sexuales femeninos. ¿Cuándo decidió crear esta campaña?

Ernesto Artillo: Presenté este proyecto en enero de 2018 como una obra de intervención artística no capitalista dirigida al mainstream para explicar qué significa ser feminista y multiplicar el número de referentes feministas en nuestro país. Para esto conté con muchas personas conocidas de la cultura, el arte, la política, la literatura, la música y también con muchas otras desconocidas que igualmente pusieron su cuerpo y sus palabras en favor del proyecto. La propuesta era muy sencilla, un traje de chaqueta como símbolo del patriarcado intervenido con diferentes símbolos que representan a la mujer para vestirnos con nuestros principios y reivindicar la igualdad.

Diego Torres: “La mujer que llevo fuera” ha sido una de tus creaciones artísticas que ha conseguido remover más conciencias. Sin duda, era absolutamente necesario reivindicar la situación de la mujer en particular y de la fragilidad humana en general. ¿La mujer y su feminidad han sido siempre referentes en tu trayectoria artística?

Ernesto Artillo: Lo femenino forma parte de mi creación artística no como inspiración si no como mi propia idiosincrasia. Hay partes de mí femeninas y masculinas y eso se traslada en mis creaciones, en mis palabras y en mis actos. Mi trabajo ha sido sin duda una forma de fomentar esa feminidad en mí que considero tan necesaria, una sociedad más femenina sería una sociedad mejor.

Diego Torres: Para realizar “La mujer que llevo fuera” te ayudaste de grandes nombres del panorama artístico nacional. Fue un verdadero éxito en cuestión de visibilidad, estallando a un nivel mediático brutal. Hablamos ahora de dos éxitos, el tuyo como artista creador, al conseguir que una de tus obras llegue a un público numeroso y el tuyo como persona, por crear conciencia con su obra. ¿Esos dos conceptos han de ser el verdadero motivo de un artista por crear?

Ernesto Artillo: Defino el arte como una conceptualización libre y honesta de un sentimiento de amor (con todas sus declinaciones) que además trasciende. Me cuesta considerar el arte desconectado de la persona que lo crea, es la herramienta más poética para concretar el amor, que es la razón de ser de cualquiera. Explicándolo en términos religiosos diría que si Dios es el amor, Cristo es el arte.

Diego Torres: Moda, Arte y compromiso social. ¿Son esas las pasiones de Ernesto Artillo?

Ernesto Artillo: Son algunas de las ejecuciones más subrayables que he hecho hasta ahora pero no encerraría mis pasiones solamente en esos titulares. El relevo de disciplinas, el reto y el aprendizaje que deriva de él es una constante en mi trabajo. Intento explorar todas las posibilidades que mis pulsiones son capaces de ejecutar.

Diego Torres: Me fascina un comentario que dijiste no hace mucho: “La moda se ha acabado. Si quieres hacer moda haz otra cosa”

Ernesto Artillo: Ni a la moda le interesa ya la propia moda. Es una de las industrias más contaminantes del mundo, la creación y el consumo de tendencias ha entrado en una dinámica de lo instantáneo que convierte en obsoleto lo que te compraste antes de ayer. Hay enormes edificios rebosantes de prendas de poliéster y de baja calidad confeccionada en condiciones inhumanas… todo esto resulta tan desalmado que hasta a la moda le empieza a horrorizar sus propios mecanismos. El largoplacismo en las prendas, la calidad y su durabilidad, lo artesanal, el significado que hay detrás de cada diseño… esa es la excelencia contemporánea del sector y para conseguirla hay que hacer muchas otras cosas que no están relacionadas con la moda como la entendíamos hasta ahora. Creo en el vestir como un acto de comunicación real y no como una herramienta alienante.

Diego Torres: Ernesto, eres Director de Arte, fotógrafo, pintor, creador de performance… Explícanos ese inicio en el viaje, sus motivaciones, ese primer instante en el que decides embarcarte en proyectos de la mano de Loewe, Pepe Jeans, Adolfo Domínguez, Mango…

Ernesto Artillo: Estudié Publicidad y Relaciones públicas y desde entonces no he dejado de hacerme campañas publicitarias a mí mismo como artista. La moda me llamaba la atención tanto como cualquier otra imaginería poderosa como la religión o el folclore. Después de hacer prácticas durante tres meses en una agencia, empecé por casualidad a trabajar en una revista de moda como redactor. Pronto fui llevando mi ocupación en esa revista al terreno de la imagen mediante fotografías de moda. Pero me parecía que mis fotografías se parecían demasiado a las que podría hacer cualquier otra persona y fue cuando en un intento de convertirlas en un lenguaje más íntimo empecé a intervenirlas a través del collage, de la pintura, la videocreación, las animaciones y finalmente a través de los conceptos personales que entrañaban cada una de las imágenes que creaba. Esto resultó ser bastante atractivo para las grandes marcas de una industria que empezaba a identificar su necesidad de humanizarse e identificaron en mi libertad creativa un valor del que querían participar.

Diego Torres: La anterior pregunta (y su respuesta) nos lleva a otro de tus grandes pensamientos: “Yo no soy una marca, soy una firma”

Ernesto Artillo: Cuando hago colaboraciones con marcas ya no las identifico como mis clientes sino casi como mecenas de mis propios conceptos. Esto difumina los límites entre mi producción personal y comercial, necesito que haya un entendimiento claro y unidireccional en lo que se comunica y que mi capacidad de decisión sea plena. No me llaman para hacer un encargo concreto si no para que traslade mi intimidad a su marca y eso implica un fuerte compromiso con mi identidad artística.

Diego Torres: De todos tus trabajos me gustaría dar especial importancia a su performance para la marca (o firma) de maquillaje Shiseido. Campaña en la que indaga nuevas posibilidades en la definición del concepto “Maquillar”: se trata de RE dibujar, RE descubrir, RE inventar, RE generar… RE imaginar. Protagonizan la campaña Paco León, Agatha Ruíz de la Prada, Ana Polvorosa… hombres o mujeres, de diferentes etnias y edades, anónimos y conocidos. Sospecho que quizá te interesa iniciar nuevos conceptos o se trata de ¿redefinir los tradicionales?

Ernesto Artillo: Redefinir significa evolucionar. Esto es algo que aprendí del collage, romper una fotografía, una certeza, una relación, una propia ideología política… para reconstruirla desde otra perspectiva es la mejor forma de actualizar nuestra relación con esa cosa, de no atarnos al pasado y de brindarnos la oportunidad de seguir siendo jóvenes y crecer. El maquillaje ha sido entendido durante mucho tiempo como una forma de modificar la apariencia de la cara disimulando su verdadera naturaleza o “perfeccionarla”. Claramente esta era una buena oportunidad para cuestionar esa idea. El maquillaje nos ofrece la posibilidad de expresarnos a través de nuestra cara de maneras mucho más diversas y potentes; eso es lo que quisimos trasladar con la campaña RE a través de personas que hablaban de sus propias necesidades de re-significarse y compartirlo con los demás.

Diego Torres: Junto al arquitecto malagueño Álvaro Carrillo, con el que también hemos conversado en Diálogos en la distancia II) realizaste unas fotografías en el Cortijo Boquera Morilla en el Cabo de Gata. De nuevo el cuerpo humano desnudo como protagonista. Pero ahora en comunión con el espacio limpio, con el mar, la tierra, con la esencia del cortijo y su admiración por las playas nudistas de Almería. ¿Cómo es el hábitat del ser humano en este siglo XXI? ¿Propones una vuelta primitiva a sus orígenes?

Ernesto Artillo: El habitat del siglo XXI se reduce a cuatro pulgadas aproximadamente. Un espacio muy pequeño del que es casi imposible salir, en el que las relaciones humanas se llaman redes sociales y donde los sentimientos se expresan a través de emoticonos. Los teléfonos móviles son «El ángel exterminador» de nuestros días, como si Luis Buñuel en el año 62 adelantase lo que estaba por venir. El offline es el lujo contemporáneo y la reivindicación de los sentidos, su antídoto. Internet no te mira a los ojos, tampoco te acaricia ni sabe a nada. Es ese placer de experimentar con el cuerpo y las sensaciones en espacios reales lo que quise inmortalizar con las fotografías para el Cortijo de Álvaro.

Diego Torres: Hace unos meses se estrenó la película Dolor y gloria de Pedro Almodóvar. En una de las escenas la cantante Rosalía suspira en voz alta: “Ojala fuera hombre para poder bañarme desnuda en el río”. En la alberca de esa finca sumergiste a una docena de cuerpos desnudos, nadando desnudos…

Ernesto Artillo: En un momento de manadas malentendidas, quise recordar su significado primigenio a través de la unión placentera y consentida de seres y sus cuerpos desnudos. En las fotos todos son una bandada, un banco de peces, una manada que experimenta como comunidad el sentido de la vida.

Diego Torres: Me encanta la historia del mural que has creado en el Cortijo, con ese homenaje a la artesanía almeriense.

Ernesto Artillo: Para nosotros era importante conocer la artesanía de Níjar antes de empezar el proyecto, eso significaba acercarnos al pasado, a los materiales, las técnicas y las personas del lugar. Entre otras visitas que hicimos fuimos a la tienda taller de unos familiares del dueño del Cortijo. Allí descubrimos que, para cocer el barro característico de Almería, utilizaban como bandeja unas placas de cerámicas sobre la que iban cayendo pigmentos y otros desprendimientos de las piezas año tras año creando una textura llena de matices. Les propusimos entonces comprarles placas nuevas y cambiárselas por las antiguas. Con estas placas antiguas, creamos un mural de gran formato en el patio que rememora de manera conceptual parte de la historia de la artesanía de cabo de Gata.

Diego Torres: De tus trabajos en Fotografía destacaría “I dreamed a dream” en la que una serie de chicas vestidas miran con extrañeza a una chica desnuda en el centro.

Ernesto Artillo: Esta fotografía la realicé para una campaña de Oysho. Tenía que fotografiar pijamas y pensé enfocarlo desde el surrealismo y los sueños. Inspirado estéticamente por el nacimiento de Venus, quise representar ese sueño recurrente en el que estas desnudo en mitad de la calle mientras los demás te miran. Sin embargo, este surrealismo de nuevo se vuelve cotidianidad a través de las redes sociales, un escenario en el todos estamos desnudos para juzgar y ser juzgados.

Diego Torres: “Esto no es una colchoneta”. ¿Es quizá está fotografía tu crítica más sutil al mundo de la moda?

Ernesto Artillo: Hice esa fotografía en una residencia artística en Ávila a la que fui con la compañía de teatro Mujer en Obras. Durante esos días estuvimos indagando sobre el existencialismo. Me apetecía indagar en la esencia humana a través de objetos funcionales. Cuestionar la función de un objeto, que pueda ser cualquier cosa reta tanto la intención humana al crearlo que supone una liberación personal inmediata de cualquier idea que creamos tener sobre nuestra propia identidad.

Diego Torres: Aunque vives en Madrid, ¿continúas habitualmente sintiendo los cambios y la transformación que se está produciendo en tu Málaga natal?

Ernesto Artillo: Voy mucho a Málaga, me sienta bien ver a mi familia, a mi perro le encanta el mar y disfruto mucho de todo lo que tenga que ver con los clichés malagueños: el balneario, los espetos, casa Mira, la mercantilización cultural y la sobreexplotación turística… Adoro Málaga y mi acento malagueño, me gustan los verdiales y verla crecer, pero es inevitable que me asuste su acelerada dirección. Cada vez me siento más extranjero en el centro de mi propia ciudad y tengo menos capacidad de ver sus suelos, atestados de chanclas con calcetines. Con lo bonitos que son…

Diego Torres: En 2012 inauguraste en Sevilla, concretamente en La Importadora, “Ensayo”, ¿qué recuerdas de aquella exposición? ¿Tienes pensado regresar a Sevilla con alguna de tus creaciones?

Ernesto Artillo: Me gusta mucho Sevilla, para mí es una de las ciudades más bonitas y exageradas de España. Tengo buenos amigos allí y cada vez que voy es un despilfarro de alegría. Recuerdo la exposición en la Importadora con amor y sol. Me encantaría hacer un nuevo proyecto en Sevilla, si puede ser con un proceso creativo que implique pasar allí un tiempo, mejor.

Diego Torres: ¿Madrid es actualmente el “place to be” para un artista? ¿En qué ciudades del mundo investiga a nivel creativo? ¿Artistas a los que admira?

Ernesto Artillo: Hoy creo que el mejor place to be para un artista es el que le acerque más a su esencia. Antes teníamos que parecernos a gente de fuera, imitar sus modelos artísticos e intentar alcanzar nuestras metas a través de sus procesos. Ahora afortunadamente podemos ser más honesto con nuestro origen; además a través de internet podemos tener una galería en cualquier sitio, así que más nos vale que ese lugar sea inspirador. Madrid es como una mujer listísima e insoportable a la que nunca acabas dejando. Es mi escenario, donde tengo mis bares, mi perro, mis amigos, mi soledad y mi dirección postal.

Diego Torres: Hemos hablado de tu pasado pero eres un artista que va siempre por delante del resto de propuestas artísticas presentes, ¿qué hay en el futuro de Ernesto?

Ernesto Artillo: Hasta ahora cuando la gente veía mi trabajo podía contemplar lo que yo miraba, ahora quiero que me miren a mi también. Me estoy formando en interpretación, quiero actuar.

Diego Torres: Muchas gracias Ernesto por esta entrevista tan inspiradora. Espero que regreses a Sevilla en breve… como actor.

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Entrevista realizada por Diego Torres.

Sevilla Selecta.es investiga en esta extensa conversación, el proceso creativo y sensorial en los artefactos y obras arquitectónicas de Álvaro Carrillo, arquitecto malagueño multidisciplinar, acérrimo seguidor de las necesidades eco-lógicas del siglo XXI.

Reciente ganador en los III Premios MATCOAM del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid por su extraordinaria rehabilitación del Cortijo Boquera Morilla, Álvaro nos atiende desde la paradójica libertad que genera esta claustrofóbica pandemia.

Diego Torres: Hola Álvaro, ¿qué te parece la situación actual que estamos viviendo?

Álvaro Carrillo: A nivel global es una pesadilla, no llegan noticias positivas desde ninguna parte. Se hace eterna la espera. Es un virus que redefine el mundo en tiempo presente, día a día. Esta incertidumbre en lo más básico de lo cotidiano, duele. Y a nivel personal me encuentro muy lejos de los míos y de mi país, aunque en un lugar paradisíaco, la isla de Rote en Indonesia, donde el virus está teniendo un impacto mínimo. Esto hace que la situación sea llevadera, aunque no fuera de peligro. Intento tener una rutina de trabajo, descanso y surfing. Hay días que los kilómetros pesan dentro de esta soledad que yo no he elegido, pero no es una queja. Considero que soy un privilegiado.

Diego Torres: ¿Tras esta pandemia crees que cambiará nuestra percepción de socializarnos y sobre todo, nuestra relación con la naturaleza?

Álvaro Carrillo: Espero que los cambios potencien nuestra manera de socializar de «siempre», nuestra vida analógica ahora tiene una simetría digital que es importante y estaba preparada, hemos empezado a ver el potencial de estas herramientas digitales dentro de la vida social o para fortalecer estructuras de trabajo. Es importante que nunca perdamos derechos sociales ni laborales en la incorporación a una vida digital plena. Por ejemplo, el teletrabajo permitirá que un menor número de coches circulen por las ciudades aumentando la calidad del aire en ellas, un tema relevante antes de la pandemia. En ese sentido la naturaleza se va a beneficiar de nuestra nueva manera de estar en el mundo. Sin duda la conciencia medioambiental va a avanzar en los próximos años mucho mas que en la última década siendo las nuevas generaciones los abanderados de esta nueva conciencia global. Hay que escucharlas y potenciar el capital humano.

Diego Torres: Yo también pienso lo mismo, nuestra esperanza es esta nueva generación, los «coronnials». Álvaro, cuéntanos dónde estás y que estás haciendo en esa isla.

Álvaro Carrillo: Estoy en una isla remota de indonesia, Rote, la isla más al sur de Asia. Conocí la isla en 2018 de la mano de Carla Lázaro, dueña y directora del Hotel Boutique Boa Vida y estoy aquí para hacer la futura ampliación del hotel. Se trata de un hotel donde todo está muy cuidado desde la arquitectura pasando por la comida, así como el cuidado del cuerpo. Entre en la isla el 12 de Marzo, un día antes de que España cerrara… y desde ayer 24 de abril las conexiones domésticas entre islas de Indonesia están totalmente cerradas hasta principios de junio…La vuelta va a tener que esperar un poco… Así que metalizado para llevar bien la situación y cuidándonos mucho.

Diego Torres: Espero verte pronto y nos podamos saludar en persona. Comencemos la entrevista: Actualmente, la gran mayoría de arquitectos mantienen una cierta relación humanística con sus edificios, con sus creaciones, con sus diseños. Se establecen relaciones más allá del contacto con los fríos y austeros planos arquitectónicos en papel o las opacas pantallas de ordenador. ¿Cómo es tu relación ante sus intervenciones arquitectónicas?

Álvaro Carrillo: En los años de crisis mi generación ha aprendido a dibujar arquitectura de manera exquisita y a expresar las ideas a través de un amplio abanico de formatos. Sólo hay que revisar los instagrams de arquitectos jóvenes españoles para encontrar dibujos, los cuales considero un producto más que puede generar un arquitecto. En muchas ocasiones son reflexiones visuales que aportan más que muchos edificios construidos. En el momento en el que me encuentro trato de estar en obra a diario, es realmente importante esta relación directa, hay muchos detalles y situaciones que se resuelven en la obra así como trabajar mano a mano con los oficios. Esta metodología suma a la construcción y al resultado final. Esta relación con la materia es la que me interesa ahora mismo, requiere mucho esfuerzo y tiempo pero suele ser muy gratificante.

Diego Torres: ¿Son diferentes tus sensaciones ante un edificio de total creación, desde la nada, desde tu más íntima imaginación, y la de una reconstrucción, una rehabilitación?

Álvaro Carrillo: Siempre tratamos de encontrar en cada proyecto una situación o un punto de partida que nos haga disfrutar y nos enganche. En esto juega un papel muy importante los deseos del cliente, los cuales tratamos como una parte más del proyecto. No conectar con los deseos de un cliente sería como dimensionar mal una estructura o fallar en un acabado. Cada encargo es un reto, independientemente de si es una rehabilitación o un edificio de nueva planta. Cada proyecto es un mundo nuevo al que aplicamos las líneas de pensamiento que desarrollamos en la oficina. Estas situaciones nos permiten que nuestras ideas circulen por los proyectos como un camino de ida y vuelta construyendo así nuestra manera de diseñar.

Diego Torres: Con Casa Boquera Morilla tuvo el privilegio de dar una segunda oportunidad a ese Cortijo. Una segunda vida. Y mantuvo la personalidad primaria del Cortijo, redescubriendo el palomar, transformando los corrales en una alberca, manteniendo esos detalles. Apuesto a que admiras profundamente aquella arquitectura original, aquella simpleza en los conceptos.

Álvaro Carrillo: La relación personal que tengo con Cabo de Gata y su arquitectura es muy intensa ya que siempre he pasado los veranos en su costa y he estudiado la gran mayoría de cortijos de la zona. Para mi oficina fue un reto radical enfrentarnos a una arquitectura a la que respetamos, con la suerte de conocerla profundamente. De estudiante, los libros de Gil de Albarracín fueron un referente para comprender la idiosincrasia de esta arquitectura popular en su conceptualización política y estética productiva. Ha sido fascinante hacer una arquitectura que se mete dentro de otra. Para ello hemos usado estrategias espaciales que nos han permitido conservar la esencia de lo existente e introducir nuevas piezas relacionadas con la manera de vivir contemporánea. Hemos respetado las circulaciones tradicionales de pasar de estancia en estancia, los cerramientos interiores nuevos no llegan nunca a tocar el techo, hemos respetado los elementos heredados de las labores agrícolas como el troje, los pesebres… dándoles un nuevo uso dentro de la vivienda, hemos trabajado con la sombra y no con la luz.

Diego Torres: Me interesa muchísimo que nos describas la colaboración de Ernesto Artillo, ¿cómo surgió?

Álvaro Carrillo: La colaboración surgió de manera natural ya que somos amigos. Conozco bien el trabajo personal de Ernesto y vimos una oportunidad en los suelos de la vivienda ya que eran grandes extensiones de mortero pulido. Ernesto se lanzó a incrustar grandes piedras en el mortero llevando más allá las diversas reflexiones sobre materiales con las que hemos trabajado en la vivienda. Por ejemplo madera de okume, piedras, cerámicas, cales. Tuvimos suerte de tener la cantera de Macael cerca de la vivienda y así poder elegir piedras de deshecho. Esta situación nos permitió abrir el abanico y usar gran diversidad de piedras con geometrías inesperadas que gracias a la composición de Artillo, forma un suelo único que recorre diferentes estancias como la cocina y la entrada dotándola de doble altura. En el patio, Ernesto se ha apropiado de un plano vertical, componiendo un mural con las bandejas que se usan para apilar cerámica a la hora de cocerlas en el horno. Estas piezas, recogen la tradición cerámica de Nijar desde hace más de cincuenta años, introduciendo en el patio esta historia a través de sus piezas y cerrando la escala cercana y acogedora del patio.

Diego Torres: Este proyecto en el Cabo de Gata lo habéis denominado «La casa y el placer», sugerente título para un proyecto arquitectónico. Al concepto espacio-tiempo, añades el concepto de ¿sensualidad?

Álvaro Carrillo: Muchos de los espacios de la vivienda están pensados para relajarse y llevar a cabo una vida hedonista y sana durante la jubilación del cliente. Estas estrategias espaciales se dan por ejemplo en la alberca que se convierte en un carril de nado para estar en forma durante la vejez, o en cómo ésta se introduce en el porche pudiendo estar dentro del agua a la sombra mientras los rayos de sol que inciden en el agua son reflejados en el techo del porche. O en las contraventanas que dejan pasar un hilo de luz muy sutil creando una atmósfera cercana a los bañuelos granadinos con los arcos, recuperados, del pajar de fondo. Es muy acertado el nombre de «La casa y placer» para la sesión de fotos a través de la cual la casa ha sido presentada. Es una casa en la que realmente puedes vivir desnudo ya que las variaciones de temperatura en su interior son mínimas gracias al aislante térmico.

Además de poner en valor un paisaje como el de Almería donde el nudismo es reclamado y practicado en la mayoría de sus playas por la gente que lo desea. La sensualidad se construye aquí con cuerpos, así como con estrategias espaciales apoyadas en una revisión tecnología de la arquitectura tradicional almeriense.

Diego Torres: El éxito de un proyecto radica en el equipo profesional que lo crea y gestiona. Se necesitan muchas disciplinas creativas. ¿Cómo se distribuyen estas disciplinas en tus proyectos en edificios que tuvieron una vida anterior?

Álvaro Carrillo: En la oficina no nos gusta distinguir entre las escalas tradicionales de la arquitectura como son el urbanismo, la arquitectura, el interiorismo, etc…
No se podría entender el uso de la sombra sin en diseño de las contraventanas o los espesores de los muros. Así como el uso del suelo radiante que está oculto pero es un gran protagonista a la hora de dar confort a la vivienda. Hay un orden y conexión en todas las escalas de la arquitectura, debe aliarse con él y desarrollarlo. La arquitectura tradicional tiene una condición inquietante y es que en la primera visita de obra con los muros derruidos y cubiertas caídas podía ser habitada y disfrutada en ese instante. Nuestro trabajo ha sido poner en valor ciertos elementos y volver a descubrir la riqueza espacial que siempre habían tenido esos muros.

Diego Torres: ¿Qué elementos y qué disciplinas deberían acompañar siempre la labor de un arquitecto?

Álvaro Carrillo: La arquitectura está presente en gran parte de las discusiones actuales, por lo que para nosotros es muy importante incluir en nuestros proyectos la opinión y las ideas de una gran cantidad de profesionales. Entender nuestra profesión así, nos lleva a tener que estudiar y tener una base que nos permita relacionarnos con las demás disciplinas. Nos interesan todas las disciplinas y tratamos de acompañarnos de ellas cuando el proyecto lo requiere o viceversa.

Diego Torres: Paisaje y arquitectura, descríbenos la importancia del entorno en Casa Boquera Morilla.

Álvaro Carrillo: La vivienda se encuentra en el interior de Cabo de Gata, rodeada de un paisaje radical, colapsado por invernaderos sobre una superficie desértica bastante impresionante pero descuidada totalmente. En los inicios las estructuras livianas y translucidas de los invernaderos fueron una referencia, aunque rápidamente nos dimos cuenta de que la relación de los almerienses con los invernaderos es de amor y odio. Representan la riqueza económica de gran parte de la comarca pero al mismo tiempo es detestada como algo negativo que contamina el paisaje. Por lo que la vivienda se relaciona de manera directa con el paisaje lejano evitando el paisaje cercano cubierto de invernaderos. Esta escala cercana ha sido eliminada de manera intencionada elevando ligeramente el perímetro del patio-corral y pintando éste de colores rojizos para dar continuidad a los muros y las montañas.

Diego Torres: Estaréis entusiasmados con vuestra nominación a los Premios de la Unión Europea para la arquitectura contemporánea- Mies Van der Rohe.

Álvaro Carrillo: Ha sido algo inesperado y bastante grato. No ha cambiado nada, solo ha fortalecido la aptitud que venimos desarrollando, conectar nuestra arquitectura con los lugares en los que se inscribe y ser coherente con el pensamiento que defendemos y desarrollamos desde la oficina, que además es fácilmente localizable en nuestros proyectos.

Diego Torres: ¿A qué compañeros de profesión admira?

Álvaro Carrillo: Admiro a todos los compañeros que proyectan una aptitud acorde con las sensibilidades que vivimos hoy en día, sensibilidad ecológica, de reciclaje, política, social, y que hacen un esfuerzo por estar conectados con la realidad en la que se insertan sus arquitecturas. Para nosotros son referencias muchas otras disciplinas más allá de la arquitectura, como son la moda, artesanía, biología, arte…

Diego Torres: Anteriormente nos has hablado de la importancia del entorno a la hora de diseñar una obra. En “El parlamento de la naturaleza”, ¿cómo has relacionado al ser humano con la naturaleza en esta creación artística que presentasteis en la pasada Bienal de Arquitectura de Venecia?.

Álvaro Carrillo: Entender que la arquitectura es una disciplina que se actualiza en tiempo presente nos posiciona en una situación no estable desde la que hemos desarrollado esta reflexión. “El parlamento de la naturaleza” ha sido muy importante para nosotros ya que nos ha llevado a analizar los paisajes tal y como son pero cambiando la manera de analizarlos e incluir la acción del hombre en el análisis de los ecosistemas. No podemos entender un ecosistema como un boque o un campo de regadío sin las infraestructuras, agentes humanos, no humanos, normativas, etc.… que forman parte de ellos.

Por ejemplo, no podemos entender ciertos paisajes de Madrid si no incluimos en la discusión la M-30, las políticas del aire actuales en la ciudad y las migraciones de las aves que pasan por allí. Por ello este análisis ha sido realizado desde una visión eco-céntrica teniendo presente la nueva edad geológica en la que vivimos, el antropoceno.

Diego Torres: Respecto a la voracidad del ser humano ante la naturaleza, ¿eres realmente pesimista?

Álvaro Carrillo: En la universidad de Alicante hemos estado trabajando con los alumnos sobre el origen y los ciclos a los que pertenecen diferentes materiales que hemos recogido en las playas y las lagunas. Impresiona bastante cuando analizas por ejemplo una colilla de un cigarro y tomas conciencia del problema global que supone un simple filtro. Te das cuenta de que hay muchos colectivos esforzándose mucho por concienciar educar y reciclar pero por otro lado el pesimismo surge cuando estos asuntos no se tratan como asuntos políticos y de conciencia colectiva. Soy optimista con las generaciones que vienen detrás, sin duda despliegan unas sensibilidades muy renovadas y unas conciencias muy potentes. Es tiempo de aprender de los más jóvenes. Tenemos el ejemplo de Greta Thunberg.

Diego Torres: ¿Cómo resultó tu participación en la Bienal de Arquitectura de Venecia? Hay que recordar que España ganó el León de Oro en la Bienal anterior. Parece ser que en el extranjero admiran con fervor nuestras propuestas.

Álvaro Carrillo: Creo que la estrategia de los comisarios ha sido acertada, después de ganar el máximo premio. Llamar al mundo académico y universitario a participar en el pabellón ha sido un éxito. Se pudieron ver trabajos de fin de carrera como tesis doctorales de arquitectos españoles muy reconocidos en el mismo espacio. Esto daba una visión de lo que está por venir. Nos alegramos mucho cuando el comité de evaluación seleccionó “El parlamento de la naturaleza” entre 1223 presentados, como un proyecto que se enmarcaba como “sostenible” en unos de los 56 adjetivos que se usaron para definir las gran diversidad de trabajos acogidos por la muestra y que organizaban espacialmente el pabellón.

Diego Torres: Otra de tus grandes aventuras fue la de formar parte del equipo en el diseño del nuevo Guggenheim de Helsinki.

Álvaro Carrillo: La forma en la que desarrollamos este concurso define nuestra aptitud y forma de trabajar. Cuando haces un concurso siempre lo haces pensando en ganar pero esto era otra cosa. Fue una convocatoria mundial de una institución que siempre ha sido visible gracias a sus edificios icónicos diseñados por arquitectos pertenecientes al “Star sistem”. Se dieron las condiciones perfectas. Fuimos un grupo de profesores de la Universidad Tecnológica de Sídney, Carmen Blanco, Urtzi Grau, Cristina Goberna y yo, y Jorge López Conde el cual se dejó liar desde Madrid. Cada uno con perfiles e ideas diferentes pero en una sintonía común. Teníamos claro que había que trabajar con un edificio que fuera un anti-icono y que desafiara la estrategia que había planteado el Guggenheim hasta ahora. Así surgió 33 Rooms. Fuimos finalista en el concurso planteado por el Guggenheim haciéndoles una crítica al propio Guggenheim.

Diego Torres: Álvaro Carrillo es un artista renacentista en estos inicios del siglo XXI. A tu labor de arquitecto añadimos la disciplina de diseñador. Has creado Calypso y Big Calipso, acuñando un nuevo término: la Tecno-jardinería. ¿En qué consiste tu “invento”?

Álvaro Carrillo: Este proyecto fue fruto de una beca para el diseño del Ministerio de Cultura Educación y Deporte que desarrollé junto a la arquitecta Paula Curras y donde uno de los temas con el que nos interesaba trabajar era el aire, el aire como “material de construcción”. Es un elemento que no se ve pero que está ahí y al igual que los espacios que habitamos afectan a nuestro estado de ánimo y salud, el aire también.

Al empezar a trabajar con el aire nos dimos cuenta de que ya había muchos profesionales trabajando sobre el tema, por ejemplo la NASA, que son los que más atención prestaron a este asunto al enviar las primeras estaciones al espacio. Fruto de esto, esta institución publicó en los 80 una lista de plantas, muchas de ellas muy fáciles de encontrar en tiendas, que tiene un efecto muy positivo sobre la calidad del aire en un espacio interior.

Calypsos son una serie de dispositivos que desafían desde sus diseños y sus lógicas, la gestión del aire en el interior de las viviendas a través de dos giros pragmáticos: La combinación de la tecnología y la jardinería para incrementar la calidad del aire en el interior de las viviendas.

El ensamble de tecnologías sencillas con especies vegetales permite crear tácticas de diseño efectivas desde un punto de vista plástico y tecnológico. El aire es un material de diseño y hay que preformarlo y negociarlo. Para ello, Calypsos se materializa en varios prototipos a diferentes escalas cuyos componentes, fácilmente customizables varían de colores y materiales.

Diego Torres: ¿Y en qué momento de tu trayectoria se encuentra el proyecto Big Calypso?

Álvaro Carrillo: Big Calypso fue un cambio de escala de Calypso desarrollada de manera determinada para la vivienda” Real state boom house” llevada a cabo por el arquitecto Lluis Alexandre Casanovas. Trabajamos con los mismos elementos pero transformando el neón en las lámparas de la vivienda así como la planta de Calypso en un jardín vertical e incorporando un ordenador interno que gestiona las funciones de los elementos del jardín e interactuando con el usuario de la vivienda. Por ejemplo Big Calypso tiene un sensor de que mide el polvo que flota en el aire, si detecta grandes niveles lo neutraliza con iones negativos tirándolo al suelo. Una vez en el suelo el propio jardín hace parpadear las lámparas. Este diseño de interacciones entre nuestra arquitectura y el usuario son temas con los que trabajamos en la oficina. Nos parece que el usuario debe implicarse en el cuidado de la arquitectura y el confort de una manera más activa. Del usuario pasivo al usuario activo.

Diego Torres: ¿También te interesa el diseño práctico y de gran consumo?

Álvaro Carrillo: El nivel de practicidad de un diseño es un asunto relevante pero también hay veces que toman protagonismo caracteres más estético o económicos. Por ejemplo en la lámpara Bellavista Chandelier, nos interesaba trabajar con profesiones que están desapareciendo y revisar sus técnicas desde un punto de vista estético contemporáneo. En este caso el neón. Desarrollado por los artesanos barceloneses Villoro Neones.

Diego Torres: ¿Qué ha supuesto «Casa Elástica» en su currículum?

Álvaro Carrillo: La «Casa Elástica» surge como un encargo económicamente imposible. Esto nos llevó a tratar de romper ciertas lógicas a la hora de presupuestar junto con los oficios y elegir materiales que cumplieran su función final dentro de la vivienda pero traídos de otro mundo constructivo como el industrial. La cocina no la construyó un carpintero, la hizo el herrero pero sin saber que estaba haciendo una cocina como tal. Otro ejemplo: el cuarto de baño fue alicatado pero se impermeabilizó con mortero para sellar tuberías industriales. Materiales deslocalizados de su uso común que arrojan otras estéticas.

Esto es lo que algunos compañeros de profesión han llamada la “estética de lo pobre”, que responde a toda esta arquitectura que se ha desarrollado durante la crisis económica y donde se ven los materiales puros, los morteros bastos, o lo metales sin lacar, así como las maderas sin tratar.

La planta de la vivienda es cuadrada con una diagonal que la cruza generando tres situaciones:

1/ un muro diagonal que acoge todas las instalaciones de agua y saneamiento así como eléctricas y armarios. Reduciendo costes de esta manera.

2/ un embudo que resuelve la orientación norte de la vivienda y permite introducir la claridad hasta la entrada de la vivienda.

3/ un tratamiento de lo común y lo público dentro de la vivienda muy diferenciado casi oculto pero a la vez con posibilidad de unirse y ampliarse a través de estrategias sencillas como son las puertas correderas de gran formato.

La pintura toma protagonismo en la vivienda dando color a los espacios, en los planos de techo pared y suelo con la intención de que el usuario perciba dentro de un mismo espacio otros con leyes implícitas diferentes.

Diego Torres: También has colaborado en «Miradas de mujer», de nuevo con Ernesto Artillo.

Álvaro Carrillo: En este proyecto Ernesto me invitó a trabajar con él al tratarse de una intervención de escala urbana, donde había aspectos técnicos en los que nuestra oficina se hacía relevante. Fue complejo llegar a un consenso, ya que presentamos varias propuestas a la administración de Málaga hasta que acabamos perfilando Miradas de Mujer. Sin duda creo que conseguimos unos de los objetivos que fue desafiar la establecido y reclamar un espacio público sensible al género en su construcción y algo tan aparentemente sencillo como la igualdad entre mujeres y hombres. Para mí a nivel personal, fue un proyecto muy importante y como siempre trabajar con Ernesto un placer y una aventura. Siempre pasan cosas inesperadas y muy enriquecedoras cuando trabajas con otros profesionales.

Diego Torres: Incluso se ha atrevido con el diseño de escenarios para el teatro, ¿realizarás más proyectos en esta disciplina?

Álvaro Carrillo: En el proyecto «Super Power of ten», Andrés Jaque, hizo una revisión de la película Power of ten que los Eames presentan en el año 1977. El formato elegido fue el teatro por su versatilidad a la ahora de expresar el proyecto, para el cual Jaque nos invitó a varios artistas y arquitectos a desarrollar cada una de las escenas.
Me interesan las ideas y elegir bien los formatos para llevarlas a cabo, desde este punto de vista me interesan cualquier disciplina que me permita desarrollar los proyectos de manera exitosa.

Diego Torres: Además del hotel en Indonesia, ¿qué tienes entre manos actualmente?

Álvaro Carrillo: En este último año hemos desarrollado tres proyectos expositivos, donde convertir en espacio la narrativa creada por comisarios, nos ha abierto nuevas puertas de pensamiento así como de materiales y estrategias espaciales. Lo efímero y desmontable toma protagonismo en estas arquitecturas. Hemos trabajado desarrollando la exposición que se celebró en Octubre en el palacio episcopal sobre la figura de Imperio Argentina, así como la exposición sobre el festival de cine de autor de Benalmádena. Un festival muy interesante y relevante para nuestra cultura cinematográfica en la etapa de la dictadura.

Diego Torres: Álvaro, tu resides en Málaga, ¿Qué está sucediendo a nivel creativo en esa ciudad? Aquí en Sevilla todo el mundo les admira.

Álvaro Carrillo: Me interesa la Málaga creativa que por desgracia adolece del apoyo institucional que merecería. Hay una red de pequeñas galerías y de eventos que van tomando protagonismo de manera lenta pero con paso firme frente a la cultura más institucionalizada de la cual también disfruto pero con la vista centrada en lo que aún está por llegar.

Diego Torres: ¿Te atrae alguna otra ciudad del mundo?

Álvaro Carrillo: He viviendo en Sídney, ciudad que ha influido mucho en como soy, me gustan este tipo de ciudades muy cosmopolitas y abiertas 24h pero al mismo tiempo también encuentro muchas otras cosas interesantes en entornos rurales como Cabo de Gata o el Palmar en Cádiz.

Diego Torres: Como hemos podido descubrir, colaboras con innumerables artistas, ¿nos podrías adelantar algunas de tus próximas colaboraciones?

Álvaro Carrillo: Siempre decimos que tenemos una oficina pequeña en cuanto a espacio, pero muy grande en cuanto a la gente. Actualmente estamos trabajando con Alicia Navarro, investigadora e historiadora y con varios diseñadores de moda en Madrid, intentando conquistar las playas con sombras.

Diego Torres: Muchas gracias Álvaro, ánimo y hasta pronto.

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